Liebes PubLikum, - Festival Theaterformen · 2020. 4. 24. · b Ö c k l e r s t r. a d o l f s t...

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18.00 – 21.00Thirst

Voldemars Johansons

18.00 Vernissage18.00 – 21.00

ThirstVoldemars Johansons

18.00 – 21.00Thirst

Voldemars Johansons

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Voldemars Johansons

18.15 Eröffnung19.00 Granma.

Posaunen aus HavannaRimini Protokoll

18.30 Einführung 19.00 Granma.

Posaunen aus Havannaanschl. Gespräch

18.30 Einführung 19.00 Mal

M. Monteiro Freitasanschl. Gespräch


M. Monteiro Freitasanschl. Cool-down

14.00 – 18.00How to Greet Like a Jamaican: Step 1

Zwoisy Mears-Clarke


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Zwoisy Mears-Clarke

21.30Fehler Kuti

21.30Rolf Hansen und

Suff Daddy & The Lunchbirds

21.30Ilgen-Nur

undDonna Regina

21.30Anne Müller

21.30Madar Band

21.30Direktmusik

21.30Tellavision

21.30Mélissa Laveaux

21.30The Work-Life

Balance

21.30 Die wilde Jagd anschl. im Kleinen Haus

TF-Party mit SENU . ShunGu

21.30Vernesa Berbo &

Balkan Boys

STAATSTHEATERGROSSES HAUS

FESTIVALZENTRUM

STAATSTHEATERGROSSES HAUSPARKETTFOYER

SPIELPLAN

HAUS DER WISSENSCHAFT

11.00 – 21.00 A Thousand Ways

600 HWM 16.30 Einführung

18.00 Eröffnungs- performance

IhrLindner & Steinbrenner

21.00Cuore

Lígia Soares

21.00Cuore

Lígia Soares

21.00Cuore

Lígia Soares

21.00Cuore

Lígia Soares

16.30 Einführung 17.00 The Ocean

Ogutu Muraya

18.00 Warm-up 19.00 The Ocean is Al-

ways Trying to Pull You In anschl. 10 Min. 10 Fr.

21.00 Einführung 21.30

Porcelain White Mears-Clarke . Perera

17.00 Die Insel Sachalin

Diem . Schröder

14.00 Warm-up 15.00 Porcelain White Mears-Clarke . Pereraanschl. 10 Min. 10 Fr.

17.00 – 20.00Die Übersehenden

Laura Liz Gil Echenique



















STAATSTHEATERGROSSES HAUSTHEATERVORPLATZ

STAATSTHEATERKLEINES HAUSAQUARIUM

EINRAUM5-7

18.30 Einführung 19.00 Salt

Eko Supriyantoanschl. Gespräch

19.00Salt

Eko Supriyantoanschl. 10 Min. 10 Fr.

18.30 Einführung 19.00 Ibuibu Belu


18.00 Warm-up 19.00 Ibuibu Belu

Eko Supriyantoanschl. Cool-down

18.30 Einführung 19.00 Pleasant Island

Huysmans . Dereere anschl. 10 Min. 10 Fr.

18.00 Warm-up 19.00

Pleasant Island Huysmans . Dereere

STAATSTHEATERKLEINES HAUS

FR 03.07.DO 02.07. SA 04.07. SO 05.07. MO 06.07. DI 07.07. MI 08.07. DO 09.07. FR 10.07. SA 11.07. SO 12.07.

STAATSTHEATERGROSSES HAUSRAUM 302

17.30 / 20.30Wanaset YoditLaila Soliman










19.30 Einführung 20.00 Sweet Drunk

Potato MapYudai Kamisato

20.00 Einführung 20.30 salt. A Reading

Selina Thompson anschl. Gespräch

21.30 Ways To Submit

Ira Brand


Ira Brandanschl. 10 Min. 10 Fr.


Ira Brand

16.00 Warm-up 17.00 Sweet Drunk Potato

Map Yudai Kamisatoanschl. Gespräch

13.00 Jakarta Disorder15.00 Teatro de Guerra

17.00 Black Mother19.00 Tchindas

LOT-THEATER

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Liebes PubLikum,vor genau dreißig Jahren eroberte die erste Ausgabe des Festivals Theater- formen Braunschweigs Bühnen. 1989 wurde das Festival gegründet, noch vor dem Fall der Mauer; es fand im Sommer 1990 zum ersten Mal statt, nach dem historischen Ereignis, das die Gründer vermutlich in ihren Planungen überrascht hat. Die aktuelle Lage haben wir ebenso wenig vorhersehen können, und wir hoffen sehr, dieses Jubiläum mit Ihnen gemeinsam im Juli feiern zu können.

Es erwarten Sie 18 Produktionen, die mit gleich vielen verschiedenen Inseln in Verbindung stehen. Die Azoren und die Färöer, die Komoren und die Malwinen, Sri Lanka, Timor und Kuba rücken für elf Festivaltage von der Peripherie ins Zentrum der Aufmerksamkeit – und mit ihnen politische Sonderfälle, geostra-tegische Brennpunkte, Projektionsflächen für ein anderes, besseres Leben. Aus Indonesien kommen gleich zwei Arbeiten des Choreografie-Stars Eko Supriyanto. Zwoisy Mears-Clarke vermittelt uns jamaikanische Begrüßungsrituale, und Ira Brand aus Großbritannien wirft sich mit ihrem Publikum ins Gefecht. Die Pazifik- insel Nauru kennen Sie noch nicht? Die verzweifelte ökologische Lage dieser pleasant island werden Sie nach dem gleichnamigen Stück nicht mehr verges-sen. Denn auch düstere Inselgeschichten finden in dem überwiegend heiteren Programm ihren Platz: der transatlantische Handel mit versklavten Personen in Selina Thompsons Lesung salt., und die gängige Praxis, Sträflingskolonien auf Inseln einzurichten, in einer Lesung von Anton Tschechows Werk Sachalin.

Das Braunschweiger Inselhopping beginnt, wenn alles gut geht, am 2. Juli mit Granma. Posaunen aus Havanna von Rimini Protokoll, und klingt am 12. Juli spät abends im Festivalzentrum aus. Wir freuen uns, wenn Sie dabei sind!

Martine Dennewald und das Festivalteam

Dear audience, you will find English descriptions of the invited productions on each page, and a translation of this booklet is available online. Most of our shows are accessible to an English-speaking audience. We look forward to welcoming you!

Bei Redaktionsschluss war nicht abzusehen, inwieweit die aktuelle Aussetzung des Betriebes am Staatstheater Braunschweig

die Planungen des Festivals betrifft. Wir bitten um Verständnis, dass alle Informationen zu diesem Zeitpunkt nur unter Vorbe-

halt veröffentlicht werden können. Aktuelles entnehmen Sie bitte unserer Homepage www.theaterformen.de

14. April 2020

inhaLtsverzeichnis

theater

Rimini Protokoll Granma. Posaunen aus Havanna 06

Lotte Lindner & Till Steinbrenner Ihr 08

Laura Liz Gil Echenique Los Sobrevidentes . Die Übersehenden 10

Laila Soliman Wanaset Yodit 12

Zwoisy Mears-Clarke How to Greet Like a Jamaican: Step 1 14

Yudai Kamisato Sweet Drunk Potato Map 16

Voldemars Johansons Thirst 18

Eko Supriyanto Salt 20

Lígia Soares Cuore 22

600 HIGHWAYMEN A Thousand Ways 24

Filmtag im LOT-Theater 26

Ogutu Muraya The Ocean Is Always Trying to Pull You In 28

Eko Supriyanto Ibuibu Belu: Bodies of Borders 30

Selina Thompson salt. A Reading 32

Marlene Monteiro Freitas Mal - Embriaguez Divina 34

Zwoisy Mears-Clarke . Venuri Perera Porcelain White 36

Ira Brand Ways To Submit 38

Silke Huysmans . Hannes Dereere Pleasant Island 40

Christoph Diem . Holger Schröder Die Insel Sachalin 42

festivaLzentrum

Fehler Kuti 46

Rolf Hansen . Suff Daddy & The Lunchbirds 47

Ilgen-Nur . Donna Regina 48

Anne Müller 49

Madar Band 50

Direktmusik 51

Tellavision 52

Vernesa Berbo & Balkan Boys 53

Mélissa Laveaux 54

Die wilde Jagd 54

Abschlussparty SENU . ShunGu 55

The Work-Life Balance 56

Programm+ PubLikum

Zuhören, Mitreden, Tun 58

Festivalcampus Niedersachsen 59

GradTUBS 59

Programm+ schuLe

Zuhören, Mitreden, Tun 61

Festivalstipendium Into the Blue 62

Masterclass 64

magazin

600 HIGHWAYMEN A Duet for Strangers 66

Ogutu Muraya Die Suche nach der Befreiung meiner Fantasie 70

Laila Soliman Ein Gespräch, das es in Wirklichkeit nie gegeben hat 74

service

Spielplan 90

Karten und Vorverkauf 94

Awareness 96

Zugänglichkeit 97

Impressum 98

Förderung und Sponsoring 99

Spielorte 100

Im Umschlag Bonuskarte zum Abtrennen und Stempelsammeln

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DO 02. 07.19.00 Uhr

FR 03. 07.19.00 Uhr

STAATSTHEATER GROSSES HAUS

Eintritt VVK 26 Euro . AK 28 Euro

Ermäßigt VVK 13 Euro . AK 14 Euro

Einführung 03.07. 18.30 Uhr . Louis-Spohr-Saal

Gespräch nach der Vorstellung 03.07. Louis-Spohr-Saal

Rimini Protokoll Berlin . Deutschland

granma. Posaunen aus havanna

Eine Zeitreise zum Anfang der Revolution und zurückSechzig Jahre nach dem Sieg von Fidel Castros Guerilla begeben sich vier junge Kubaner*innen auf Spurensuche, die sie zu den Geschichten ihrer Großeltern führt. Auf der Bühne: Daniel, Enkel von Faustino Pérez, dem ersten Minister für Umverteilung, eng vertraut mit Castro und Teil der Guerillatruppe auf der Granma, der legendären Motorjacht, die die Revolutionäre 1956 von Mexiko nach Kuba brachte. Auch Christian folgt den Spuren seines Großvaters, der als Kampfpilot am kubanischen Militäreinsatz während des Bürgerkrieges in Angola teilnahm. Und die Geschichtsstudentin Milagro, Enkelin der Näherin Nidia, die von Castro als „Papa Fidel“ sprach, untersucht, wie die Revolution bis heute nachwirkt. Ge-meinsam mit der Posaunistin Diana, deren Großvater das „Orquesta Maravillas de Florida“ gründete, verflechten sie ihre Familiengeschichten mit aktuellen Fragen eines sich rasant verändernden Kubas. Und üben sich Posaune spielend in musikalisch-revolutionärer Praxis: gemeinsam etwas lernen, von dem man vorher nicht dachte, dass es möglich ist.

Four young Cubans embark on a journey through time to find stories that span multiple generations and intertwine them with contemporary socio-political questions. They need to make Cuba’s history their own in order to keep writing it. Mit Milagro Álvarez Leliebre . Daniel Cruces-Pérez . Christian Paneque Moreda . Diana Sainz Mena Konzept . Regie

Stefan Kaegi Bühne Aljoscha Begrich Video Mikko Gaestel . Stefan Korsinsky (on tour) Komposition Ari Benjamin

Meyers Ton Tito Toblerone . Aaron Ghantus Dramaturgie Aljoscha Begrich . Yohayna Hernández Kostüm Julia Casabona

Technische Leitung . Licht Sven Nichterlein Produktionsleitung Maitén Arns Mitarbeit Video Marta María Borrás Mitarbeit

Dramaturgie Ricardo Sarmiento Regieassistenz Noemi Berkowitz Bühnenbildassistenz Julia Casabona Produktions-

assistenz Federico Schwindt . Dianelis Diéguez Übertitel Meret Kündig . Federico Schwindt (on tour) Übertitel MmH

Inga Laas Übersetzung Meret Kündig . Franziska Muche . Anna Galt . Marta Vukovic . Adrien Leroux (Panthea)

Produktion Rimini Apparat . Maxim Gorki Theater Berlin Koproduktion Emilia Romagna Teatro Fondazione . Festival

TransAmériques (Montréal) . Kaserne Basel . Onassis Cultural Centre – Athens . Théâtre Vidy-Lausanne

LuganoScena-LAC . Zürcher Theater Spektakel . Festival d'Avignon Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes

Pro Helvetia . Senatsverwaltung für Kultur und Europa In Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut Havanna

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ Gastspielförderung Theater, gefördert von der Beauftragten der Bundes-

regierung für Kultur und Medien sowie den Kultur- und Kunstministerien der Länder

Dauer 2h

Sprache Kubanisches Spanisch mit deut-

schen und englischen Übertiteln, deutsche

deskriptive Übertitel für Hörgeschädigte

8 . 9Lotte Lindner & Till Steinbrenner Hannover . Deutschland

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Hommage an eine Gemeinschaft auf ZeitIhr wartet schon gespannt. Gleich geht es los. Für ein paar Stunden seid ihr unser Antrieb und unser Spiegel.Was wäre, wenn es euch nicht gefiele? Ihr lasst euch nicht betrügen. Wenn wir es nicht ernst meinten, würdet ihr es merken. Ihr würdet uns den Beifall verweigern.Aber wenn wir euch berührten, eure Stimmung spürten, euch verstörten und aufregten, wenn wir das schafften, dann hätten wir unser Ziel erreicht.Ohne euch wären wir nichts. Was könnte uns bewegen, wenn nicht ihr?Wir jubeln euch zu!

Ausgebildet an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, lebt und arbeitet das Künstlerduo Lotte Lindner & Till Steinbrenner in Hannover. In Zusammenarbeit mit der Künstlerin Anna Rispoli zeigten sie beim Festival Theater- formen bereits 2011 Die Erfindung des Fahrstuhls im ehemaligen holländischen Pavillon auf dem Expo-Gelände und 2017 Dein Wort in meinem Mund – unter anderem in einer Sauna, im Neuen Rathaus und in der FKK-Villa. Ihr entwickeln Lotte Lindner & Till Steinbrenner zum 30-jährigen Jubiläum des Festivals.

Ihr by Hanover-based artists Lotte Lindner & Till Steinbrenner was developed for Festival Theaterformen’s 30th anniversary. The first presentation will take place on the 2nd of July in front of the Staatstheater Braunschweig, with further performances in locations between the festival venues and in the festival centre after each show.

Konzept . Durchführung Lotte Lindner & Till Steinbrenner

Gefördert durch die Karin und Uwe Hollweg Stiftung

STAATSTHEATER GROSSES HAUS Theatervorplatz u.a.

Eintritt frei

Dauer individuell

Sprache Deutsch

DO 02. 07.18.00 Uhr . Eröffnungsperformance

DO 02.07. – SO 12.07.nach Vorstellungsende auf dem Weg von den Spielstätten zum Festivalzentrum

10 . 11Laura Liz Gil Echenique Havanna . Kuba

Los sobreviDentesDie ÜbersehenDen

Mit Braunschweiger Senior*innen die Zukunft erfindenWie werden aus alten Geschichten neue, wie verwandelt man Erinnerungen in Wünsche und Pläne? Und warum gehen wir eigentlich davon aus, dass die Zukunft den Jungen und die Vergangenheit den Alten gehört? Eine Unterhaltung mit ihrer Großmutter hat die kubanische Autorin und Perfor-merin Laura Liz Gil Echenique inspiriert, sich mit diesen Fragen zu beschäftigen. In Braunschweig hat sie Senior*innen, die ihre Muttersprache Spanisch sprechen, eingeladen, mit ihr in die Zukunft zu blicken. Spielerisch, künstlerisch und ein-fallsreich – wie ihr Stücktitel, der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in einer Wortneuschöpfung verbindet – begibt sie sich mit Braunschweiger*innen ins Gespräch. Aus den neuen Begegnungen und Elementen der vorherigen Stationen des Projekts in Havanna und Madrid entsteht eine künstlerische Installation, in der auch Gil Echeniques Großmutter eine besondere Rolle spielt.

How can desires and memories come together in order to create different maps for the future? With the installation Los Sobrevidentes Cuban theatre maker and visual artist Laura Liz Gil Echenique showcases the realities of Spanish-speaking elderly people in Braunschweig and their wishes for the future.

Konzept Laura Liz Gil Echenique Design . Umsetzung Laura Liz Gil Echenique . Julio César Cuquerella Guillén Produktion

Florencia Ranfagni Öffentlichkeitsarbeit Dianelis Diéguez la O

Gefördert durch das Goethe-Institut

EINRAUM5–7

Tagesticket VVK 7 Euro . AK 8 Euro

Dauer individuell

Sprache Spanisch mit deutscher Übersetzung

DO 02.07. – MO 06.07.MI 08.07. – SO 12.07.

SA / SO15.00 – 20.00 Uhr

MO / MI / DO / FR17.00 – 20.00 Uhr

12 . 13Laila Soliman Kairo . Ägypten

Wanaset YoDit

Eine Begegnung über die Zeiten und Kulturen hinwegZwei Frauen aus Soltau, Abir Omer und Yodit Akbalat, sind vor einigen Jahren aus dem Sudan nach Norddeutschland geflüchtet. 2019 haben sie mit vier anderen Frauen aus der Gruppe „My Body Belongs to Me“ ein gleichnamiges Dokumentar-projekt über Genitalverstümmlung und Frau*sein auf die Bühne gebracht, mit Tanz und Gesang. Dabei lernten sie die ägyptische Regisseurin Laila Soliman kennen und entwickelten die Idee für Wanaset Yodit. Nun laden die beiden Freundinnen das Publikum zu ihrer Kaffeezeremonie ein. Ihr Wohnzimmer ist die Bühne, das Pub-likum sitzt gemütlich auf Kissen, hört ihre Geschichten und Lieblingslieder oder lässt sich aus Muscheln die Zukunft vorhersagen. Abir Omer und Yodit Akbalat teilen ihren Alltag, ihr Lachen, ihre Tränen und ihre Geschichten mit dem Publikum – überdramatisch und mit viel Humor erzählt.

Following the success of the documentary piece My Body Belongs to Me, Laila Soliman directs two of its protagonists in a new show about their past and present life in Germany. Because, as they insist, it is more exciting, more touching, more painful and way more fun than any soap opera. While drinking coffee, predicting the future, singing, laughing and crying, the two women share their stories with the audience.

Konzept . Regie Laila Soliman Konzept . Bühne Moïra Gilliéron Von und mit Yodit Akbalat . Abir Omer Gesangstraining

Sounddesign Nancy Mounir Produktionsleitung Swantje Möller . Franziska Schmidt Produktion produktionsDOCK

Koproduktion Festival Theaterformen . Kaserne Basel . Theater Bremen Dank dem Fachausschuss Tanz und Theater

Basel-Stadt und Basel-Land

DO 02.07. – SO 05.07.17.30 / 20.30 Uhr

DI 07.07. – SO 12.07.17.30 / 20.30 Uhr

Mehr im MAGAZIN

STAATSTHEATER GROSSES HAUS Raum 302 . Treffpunkt Kassenfoyer



Dauer ca. 1h

Sprache Sudanesisches Arabisch und Deutsch

14 . 15Zwoisy Mears-Clarke Kingston . Jamaika I Rösrath . Deutschland

hoW to greet Like a Jamaican: steP 1

Eine innige Begegnung im DunkelnWie reagiert unser Körper, wenn wir auf einen fremden Menschen treffen? Zeigen wir uns so, wie wir sind? Wie können wir unsere Vorurteile entkräften? Zwoisy Mears-Clarke, geboren auf Jamaika und nun wohnhaft in Deutschland, interessiert sich schon aus biografischen Gründen für die soziale Choreografie, die ersten Begegnungen eingeschrieben ist. In völliger Dunkelheit nähern sich Performer und Gast einander über Worte und Berührungen an und untersu-chen, wie mit Hilfe des Körpers Beziehungen hergestellt, definiert und gefes-tigt werden können. How to Greet Like a Jamaican: Step 1 ist ein Angebot, einem fremden Menschen wie einem Familienmitglied zu begegnen.

How does our body react when we meet a stranger? Is it possible to disempower our prejudices in a first encounter? Inspired by the social practices of his homeland Jamaica which were physically and psychologically inscribed onto him, choreographer Zwoisy Mears-Clarke explores these questions. How to Greet Like a Jamaican: Step 1 is a 1:1-performance in total darkness about relating to strangers as family.

Choreografie . Performance Zwoisy Mears-Clarke Coaching Anna Mülter . Liz Rosenfeld Kostüm Eva Bakardjiev

Koproduktion Sophiensæle

FR 03.07. 14.00 – 18.00 Uhr

SO 05.07. 13.00 – 17.00 Uhr

MO 06.07. 13.00 – 17.00 Uhr

MI 08.07. 18.00 – 19.15 Uhr

SO 12.07. 13.00 – 17.00 Uhr

Alle 15 Minuten

STAATSTHEATER GROSSES HAUS Parkettfoyer . Treffpunkt Kassenfoyer



Gespräch 12.07. 17.15 Uhr

Dauer ca. 15min

Sprache Deutsch oder Englisch nach Wahl

Performance mit Körperkontakt und in völliger Dunkelheit

16 . 17Yudai Kamisato Tokio . Japan

sWeet Drunk Potato maP

Eine angeschickerte Neuordnung ostasiatischer GeografieAus Süßkartoffeln, Zuckerrohr, Gerste oder Reis wird seit vielen Jahrhunderten in Okinawa, der südlichsten Präfektur Japans, der Branntwein Awamori destilliert. Vom Ende des 14. bis weit ins 16. Jahrhundert waren die Inseln, damals ein eigenes Königreich unter dem Namen Ryukyu, Umschlagsplätze für den Handel zwischen China, Japan und der gesamten südostasiatischen Region, was auch dem Awamori und seiner weiter verbreiteten Variante Shochu zugutekam.

An der Geschichte des Awamori und seiner Handelswege lässt sich, wie übrigens auch an der hartnäckigen Präsenz der US-Armee seit 1945, die geostrategische Bedeutung Okinawas ablesen, und so hat der japanische Dramatiker und Regisseur Yudai Kamisato sie zum Anlass für eine Recherche- und Verkostungsreise zu den Inseln Okinawa, Amami, Miyakojima und Tokunoshima genommen. In Sweet Drunk Potato Map, das in Braunschweig zur Uraufführung kommt, möchte er Okinawa den Platz einräumen, der ihm seiner Ansicht nach zukommt: das Zentrum. Vergessene Legenden, verdrängte Ursprünge und versäumte Chancen werden von fünf Schauspieler*innen nicht im Alkohol ertränkt, sondern mit seiner Hilfe an Land gezogen.

In Sweet Drunk Potato Map, Japanese playwright and director Yudai Kamisato, who belongs to the fourth generation of Okinawan emigrants in Peru, aims at restoring Okinawa’s former glory at the center of Pan-Asian trade relations. On stage, five per-formers explore the cultural history of shochu, a distilled liquor with roots in Okinawa that has taken all of Japan by storm.

Text . Regie Yudai Kamisato Kollaboration . Recherche Mark Teh Mit Takefumi Fukunaga . Hideaki Washio . Hikaru

Morioka . Sumire Urata . Jarunun Phantachat Bühne dot architects Ton Masashi Wada Produktion P Planung

Produktionsmanagement precog co., LTD. Gefördert von Arts Council Tokyo (Tokyo Metropolitan Foundation for

History and Culture) . The Saison Foundation FR 03. 07.20.00 Uhr

SA 04. 07.17.00 Uhr

LOT-THEATER



Einführung 03.07. 19.30 Uhr . LOT-Theater

Warm-up 04.07. 16.00 Uhr . LOT-Theater

Gespräch nach der Vorstellung 04.07.

Dauer ca. 1h30

Sprache Japanisch und Thai mit deutschen

und englischen Übertiteln

18 . 19Voldemars Johansons Riga . Lettland

thirst

Audiovisuelle Dokumentation eines gewaltigen SturmesWie fühlt sich das an: Auge in Auge mit der ungezähmten Macht eines Sturmes mitten auf dem Atlantischen Ozean? Umgeben von peitschendem Wind, Wasser-massen in stählernem Blau und unablässig aufbrandenden Wellen? Thirst macht einen Jahrhundertsturm vor den Färöer-Inseln am ganzen Körper erfahrbar und ermöglicht eine Begegnung mit der zerstörerischen Macht und hypnotischen Schönheit dieser Naturgewalt.

Voldemars Johansons’ experimentelle Installationen und Performances sind raumgreifende Licht- und Ton-Kompositionen, die Kunst und Naturwissenschaft miteinander verbinden. Seine Arbeiten wurden bereits bei der Architekturbiennale Venedig, dem Ars Electronica Center Linz, BOZAR in Brüssel, der Ruhrtriennale, STEIM in Amsterdam und dem Unsound Festival in Krakau gezeigt.

In a single unbroken shot, Latvian artist Voldema�rs Johansons captured a violent storm raging over the Atlantic Ocean near the Faroe Islands. The audience comes face to face with the savage beauty of nature unleashed, thundering water, rain and wind, while being still free to contemplate and move around the space.

Regie . Produktion Voldemars Johansons . New Theatre Institute of Latvia


Tagesticket VVK 7 Euro . AK 8 Euro

Dauer individuell

Ohne Sprache

SA 04.07. – MO 06.07.18.00 – 21.00 Uhr

SA 11.07. – SO 12.07.18.00 – 21.00 Uhr

SA 04.07. 18.00 Uhr

Vernissage „Thirst“ und Künstlergespräch mit Voldemars Johansons und Jule Hillgärtner, Direktorin Kunstverein Braunschweig,

im Rahmen des Direktorinnentausches, siehe Seite 58

20 . 21

STAATSTHEATER KLEINES HAUS



Einführung 04.07. 18.30 Uhr


10 Minuten 10 Fragen nach der Vorstellung 05.07.

Dauer ca. 1h

Ohne Sprache

SA 04. 07.19.00 Uhr

SO 05. 07.19.00 Uhr

Eko Supriyanto Jakarta . Indonesien

saLt

Solo im SalzstaubObwohl rund 80 Prozent seiner Heimat aus Wasser bestehen, hat der indonesische Choreograf Eko Supriyanto nach eigener Aussage eigentlich keinen Bezug zum Wasser. Biografische Verbindungen bestehen eher zum Ackerbau, und seine Bewegungen haben ihren Ursprung in den höfischen Tänzen seiner javanischen Heimat. Für Salt macht Eko Supriyanto sich auf, das ihm nahezu fremde Element zu erkunden, und er begibt sich schwimmend, tauchend und schwebend in die schwerelose Unterwasserwelt. Im Einklang mit den ruhigen Bewegungen des Meeres nähert er sich den Rhythmen und Kräften des Ozeans an und verbindet sie mit Elementen der Erde: dem traditionellen Jathilan-Tanz aus Magelang auf Java und dem Kriegstanz Cakalele aus Nord- und Zentral-Maluku in Indonesien.

Eko Supriyanto unravels his roots as a classically trained dancer and his usual voca-bulary that is tied to the dominant Javanese agricultural history of carving the soil. In Salt, he plunges into a state of anti-gravity beneath the ocean's surface and softly combines the movements of swimming and diving with elements of the traditional Jathilan dance and the war dance Cakalele.

Choreografie Eko Supriyanto Licht Jan Maertens Komposition Dimawan Krisnowo Adji Kostüm Oscar Lawalata Dramaturgie

Arco Renz Inspizienz Agil Pramudya Tourmanagement Isa Natadiningrat Produktion Keni Soeriaatmadja Koproduktion

Ekosdance Foundation . West Halmahera Regency . deSingel Internationale Kunstcampus . Künstlerhaus Mousonturm

AsiaTOPA . NuArt Sculpture Park


22 . 23Lígia Soares Lissabon . Portugal

cuore

Blind Date mit Tanz und GesangInspiriert von der Kunst der mittelalterlichen Liebesdichter, der Troubadoure, feiert Cuore die Eigenheiten von Liebesbeziehungen. Bei Anbruch der Dunkelheit treffen sich Publikum und Tänzer*innen vor dem Großen Haus auf dem Theater-vorplatz. Wer sind die unbekannten Gesichter in der Gruppe? Und wie sind wir hier nur wieder hineingeraten?Die portugiesische Choreografin, Dramatikerin und Regisseurin Lígia Soares schafft konzeptionell angelegte theatrale Situationen und nutzt in ihren Stücken spontan auftretende Umstände, um die Grenze zwischen Publikum und Bühne durchlässiger zu machen. Durch geschickte räumliche Anordnungen lädt sie ihre Zuschauer*innen ein, den Spielregeln einer Aufführung zu folgen und den Freiraum, der sich dabei auftut, zu gestalten. Cuore ist eine Auftragsarbeit für das Walk & Talk Festival Azores und wurde 2018 auf der Insel São Miguel urauf-geführt.

Cuore, inspired by the troubadours’ lyric poetry, is dedicated to the art of expressing love. How do we speak about who we want the other to be? Who do we want to be ourselves? In a blind date involving dance and song, Portuguese choreographer Lígia Soares explores the deeper truth of love’s most well-known expressions.

Konzept . Text Lígia Soares Musik Diogo Alvim Performance Lígia Soares . Maurícia Barreira . António Torres

Produktion Walk & Talk Festival Azores . DDD-Out Oporto

STAATSTHEATER GROSSES HAUS Theatervorplatz

Eintritt frei

Dauer 30min

Sprache Gesang

SA 04.07. – DI 07.07.21.00 Uhr

24 . 25600 HIGHWAYMEN New York City . USA

a thousanD WaYs

Interaktive Performance für 36 GesprächspaareSie betreten einen Raum, Sie setzen sich an einen Tisch. Ihnen gegenüber sitzt eine fremde Person. Wer ist sie, und was spielt sich in ihrem Inneren ab? Eine Stunde widmen Sie einem intimen Gespräch. Wo herrscht Einigkeit, wo nicht? Vor uns liegt eine Anleitung. Wir finden einen Weg. Mit uns sitzen hier Dutzende andere Paare – wer werden wir sein, wenn wir am Ende alle zusammenkommen?

Das preisgekrönte Regieduo 600 HIGHWAYMEN besteht aus Abigail Browde und Michael Silverstone. Seit zehn Jahren setzen sie konsequent bei den Grund- elementen des Theaters an – Raum, Zeit, Zuschauende, Spielende – und er-schaffen Performances, die als Choreografie gelesen werden können oder als Versuchsanordnung, als immer wieder neu erzählte Geschichte oder als einma-lige Begegnung. 600 HIGHWAYMEN waren bereits mit vier Stücken beim Festival Theaterformen zu Gast. Nun zeigen sie als Weltpremiere eine Aufführung, die gleichermaßen Gespräch und soziales Experiment ist: A Thousand Ways basiert auf der Annahme, dass etwas so Einfaches wie Zuhören radikale Folgen haben könnte.

Part show, part conversation, part civic experiment, A Thousand Ways proposes that there could be some radical effect in the simple act of listening. Led by a series of questions, prompts and physical directives, 600 HIGHWAYMEN’s latest performance explores the line between strangeness and kinship, distance and proximity, and how conversation can be a transformative act.

Konzept . Regie Abigail Browde . Michael Silverstone Bühne . Licht Eric Southern Übersetzung Anna Johannsen

Produktionsleitung Lena Lappat Management Thomas O. Kriegsmann Ursprünglich konzipiert für Temple Contemporary at

Temple University Unterstützt von The Pew Center for Arts & Heritage, PhiladelphiaSO 05. 07.11.00 / 13.00 / 15.00 / 17.00 / 19.00 / 21.00 Uhr




Einführung 05.07. 16.30 Uhr . Haus der Wissenschaft

Dauer ca. 1h

Sprache Deutsch, auf Wunsch auch Englisch

Mehr im MAGAZIN

26 . 27

Lola Arias

TEATRO DE GUERRA . THEATRE OF WAR

Vor 35 Jahren kämpften sie an gegne- rischen Fronten: argentinische und britische Veteranen des Kriegs um die Malwinen. Argentinien beansprucht die Inselgruppe ebenso für sich wie Groß-britannien, unter dessen Souveränität sie heute steht. 1982, als Argentinien die Inseln besetzte, sandte Großbri-tannien Truppen. Der Krieg dauerte zwei Monate, der Konflikt schwelt bis heute. In Lola Arias’ Film-und Theater-projekt, welches das Festival Theater-formen 2016 in Braunschweig unter dem Titel Minefield im Großen Haus gezeigt hat, verschwimmen die Gren-zen zwischen Fiktion und Geschichte. Mit den persönlichen Erlebnissen und Erinnerungen der Veteranen – den Protagonisten des Theaterstücks und des Films – tritt hervor, was dieser Krieg für sie bedeutet.

SO 05. 07. 15.00 UhrArgentinien . Spanien 2018 . 82 Minuten


OmdU Spanisch und Englisch mit deutschen Untertiteln

Pablo García Pérez de Lara . Marc Serena

TCHINDAS

Auf den Kapverden ist Tchinda Andrade eine lokale Berühmtheit, die sich schon früh als Transgender-Person geoutet hat. Ihr Vorname wird mittlerweile stellvertretend für queere Menschen gebraucht. Tchindas absolutes High-light ist der kapverdische Karneval und die Zeit, in der sich die ganze Stadt auf ihn vorbereitet. Die Filmemacher Marc Serena und Pablo García Pérez de Lara begleiten Tchinda Andrade bei ihren Vorbereitungen und der Herausforde-rung, aus Nichts alles zu machen.

SO 05. 07. 19.00 UhrKapverden 2015 . 94 Minuten


OmeU Kapverdisches Kreol mit englischen Untertiteln

Ascan Breuer

JAKARTA DISORDER

Zwei couragierte Frauen kämpfen in den Slums der tropischen Megacity Jakarta für die Teilhabe der verarm-ten Massen an der neugewonnenen Freiheit ihres Landes. Die Bauwut des globalisierten Kapitals in der boomen-den Stadt führt zu Vertreibung und Zerstörung. Es beginnt ein Kampf, der bahnbrechende politische Umwälzun-gen im größten muslimischen Land der Erde einleitet.

SO 05. 07. 13.00 UhrIndonesien 2013 . 88 Minuten


OmdU Indonesisch mit deutschen Untertiteln

Khalik Allah

BLACK MOTHER

In Black Mother führt uns Regisseur Khalik Allah auf eine Reise durch Jamaika, in geschäftige Metropolen und ruhige Landschaften und zu einer Reihe lebhafter Inselbewohner*innen. Ihre persönlichen Erzählungen erge-ben eine mehrstimmige Symphonie, die von eindrucksvollen Aufnahmen des Landes begleitet wird. Black Mother erzählt von einer turbulenten Vergan-genheit und ist zugleich Portrait des heutigen Jamaikas.

SO 05. 07. 17.00 UhrUSA . Jamaika 2018 . 77 Minuten


OmeU Patois mit englischen Untertiteln

fiLmtag im Lot-theater

Ein Tag, vier Filme, vier Inseln – bevor es am Abend mit den Theaterstücken losgeht, wechselt das Festival am 5. Juli ins Filmgenre. Jakarta Disorder erzählt eine David-gegen-Goliath-Geschichte im indonesischen Wahlkampf, während in Teatro De Guerra der Falklandkrieg von Veteranen rekapituliert wird. Black Mother lässt Jamaikaner*innen von ihrer Heimat erzählen und Tchindas zeigt die Vorbereitungen des kapverdischen Karnevals aus queerer Perspektive.

28 . 29Ogutu Muraya Nairobi . Kenia

the ocean is aLWaYs trYing to PuLL You in

Dichtung und Wahrheit über die Insel NdzuwaniUm einer wenig bekannten Migrationskrise, die in den 1990er-Jahren begann und bis heute andauert, nachzuforschen, reist der Theatermacher und Geschichten- erzähler Ogutu Muraya auf die Insel Ndzuwani nördlich von Madagaskar. Im Laufe der Jahre starben schätzungsweise 50.000 Migrant*innen bei ihrem Versuch, Ndzuwanis Nachbarinsel Mayotte, die zu Frankreich und somit zur EU gehört, zu erreichen. Auf der Suche nach den unmenschlichen Auswirkungen eines politischen Systems stößt Ogutu Muraya auf Unerwartetes: auf die zerstörerische Kraft des tropischen Wirbelsturms Belna, ein geologisches Rätsel, das die Insel mit dem vorjurassischen Superkontinent Gondwana in Verbindung bringt, und auf ein lebendes Fossil – den 66 Millionen Jahre alten, angeblich ausgestorbenen Quasten- flosser, von dem 1938 ein lebendes Exemplar gefangen wurde. Ogutu Muraya spinnt die Fäden der Geschichten, die er gesammelt hat, fort und kann bald selbst nicht mehr sagen, welche wahr und welche erfunden sind. Eines weiß er jedoch sicher: dass der Ozean gefräßig ist und nichts seinem geduldigen Nagen entgeht. When Ogutu Muraya goes on a research trip to the island of Nzwani, part of the Comoros, he encounters unexpected difficulties and new insights. The story, which has its starting point in the urge to make a neglected migration crisis visible, changes into a kaleidoscope of events where the line between reality and fiction is blurred. Konzept . Regie . Text Ogutu Muraya Gelesen von Ogutu Muraya Dramaturgie Leila Anderson Regieassistenz Esther Kamba

Produktionsleitung Caroline Froelich Unterstützung Recherche Zürcher Theater Spektakel


STAATSTHEATER KLEINES HAUS Aquarium



Einführung 05.07. 16.30 Uhr . Foyer Kleines Haus

Warm-up 06.07. 18.00 Uhr

SO 05.07.17.00 Uhr

MO 06.07.19.00 Uhr


Dauer ca. 1h

Sprache Englisch mit deutschen Übertiteln

Mehr im MAGAZIN

30 . 31Eko Supriyanto Jakarta . Indonesien

ibuibu beLu: boDies of borDers

Tänzerischer Zusammenhalt auf einer geteilten InselNicht weniger als 17.508 Inseln gehören zu Indonesien. Drei davon teilt es sich mit anderen Nationen, so auch die Insel Timor, wo die Region Belu an den Staat Osttimor grenzt. Der Ursprung dieser Teilung liegt weit zurück: Die osttimori-sche Hälfte der Insel wurde ab 1515 von Portugal, die indonesische ab 1640 von den Niederlanden kolonisiert. Familienbande und Freundschaften, Sprache und Religion verbinden die Menschen heute wie damals über die Grenze hinweg.Auf der Spur dieser Zusammenhänge hat sich Eko Supriyanto – seit früher Kind-heit im höfischen Tanz Javas und dem Kampfsport Pencak Silat geschult, später in Choreografie und Performance Studies ausgebildet – in Belu mit dem Likurai auseinandergesetzt. Dieser wird von Mädchen und Frauen getanzt, wenn die Männer aus dem Krieg zurückkehren. In Ibuibu Belu: Bodies of Borders kombi-niert Supriyanto nun die Bewegungen und Rhythmen des traditionellen Likurai mit einer puristischen Theaterästhetik. Sechs Tänzerinnen aus Belu begeben sich auf die Suche nach der Geschichte, die in den Likurai eingeschrieben ist, und verleihen den kulturellen Verflechtungen dies- und jenseits der Landes-grenze tänzerisch Ausdruck.

Through his exploration of the Likurai, a dance tradition that forms a vital thread in the social fabric across the island of Timor, acclaimed Indonesian choreographer Eko Supriyanto manifests the ways in which dance carries the kinship of people and their lived histories on both sides of politically imposed borders.

Mit Feliciana Soares . Evie Anika Novita Nalle . Angela Lavenia Leki . Adriyani Sindi Manisa Hale . Marlince Ratu

Dabbo . Yunita Dahu Choreografie Eko Supriyanto Dramaturgie Renee Sariwulan Musik Dimawan Krisnowo Adji Licht

Jan Maertens Kostüm Vivi Ng . Erika Dian Beratung Arco Renz Projektleitung Isa Natadiningrat Produktionsleitung

Sadiah Boonstra Probenassistenz Riyo Tulus Pernando Produktion EkosDance Company Produzent Ratnasari Langit

Pitu Koproduktion Provinz Nusa Tenggara Timur . Asia TOPA . Spring Festival Utrecht . Theater im Pumpenhaus

TPAM – Performing Arts Meeting in Yokohama . Komunitas Salihara . Ratnasari Langit Pitu


DI 07. 07.19.00 Uhr

MI 08. 07.19.00 Uhr




Einführung 07.07. 18.30 Uhr . Kleines Haus


Warm-up 08.07. 18.00 Uhr . Kleines Haus

Cool-down nach der Vorstellung 08.07.

Dauer 1h

Sprache Gesang

32 . 33Selina Thompson Birmingham . Vereinigtes Königreich

salt. a reaDing

Eine Reise rückwärts, um voran zu kommenIm Februar 2017 geht Selina Thompson in Antwerpen an Bord eines Frachtschiffs und folgt der Schiffsroute, die ihre Vorfahr*innen aus Ghana nach Jamaika und manche von ihnen von dort nach Großbritannien brachte – Millionen Schwarzer Männer, Frauen und Kinder, die mit ihrer Arbeitskraft den Grundstein des west-lichen Wohlstands legten. Als Thompson in Ghana in der Festung Elmina Castle steht und den Atlantischen Ozean betrachtet, erinnert sie sich an jene Menschen, die hier, auf der Überfahrt und auf den Plantagen gestorben sind. Wie geht das zusammen – einerseits ihre Trauer und andererseits eine Welt, in der es so banale Dinge wie Parfumzerstäuber und Parkuhren gibt?salt. ist Ergebnis und Reflexion dieser Reise: eine Auseinandersetzung mit ver-gessenen Episoden britischer Kolonialgeschichte, mit Rassismus, patriarchalen Strukturen und dem Alltag karibischer Communities im Vereinigten Königreich.

Da die Inszenierung salt. nicht mehr tourt, präsentiert Selina Thompson, die bereits beim Festival Theaterformen 2018 mit ihrer Installation Race Cards in Braunschweig zu Gast war, das Stück in einer Lesung.

British artist and performer Selina Thompson presents a reading of her theatrical production salt., a monologue created in response to a recent journey made by two artists aboard a cargo ship retracing a transatlantic slave triangle route – from the UK to Ghana, Jamaica and back. Thompson’s ancestors were among several million black men, women and children sold as slaves, whose work made Western prosperity possible. On her own journey, she is confronted with normalised, systemic and casual racism and observes patriarchal power structures within the crew, suggesting that the colonial past is not as distant as she believed it was before embarking. salt. is the result and the reflection of this journey.

Mit Selina Thompson Assistenz Toni-Dee Paul Eine Auftragsarbeit von MAYK . Theatre Bristol . Yorkshire Festival

Mit freundlicher Unterstützung des Arts Council England und von 200 privaten Spender*innen, die die Reise über den Atlantik

ermöglicht haben

Gefördert durch das British Council

MI 08. 07.20.30 Uhr

LOT-THEATER



Einführung 08.07. 20.00 Uhr . LOT-Theater


Dauer ca. 1h


34 . 35Marlene Monteiro Freitas Lissabon . Portugal

maL – embriaguez Divina

Ekstatische Tanzperformance zur Ambivalenz des BösenFür Mal – Embriaguez Divina arbeitet die Choreografin Marlene Monteiro Freitas – von mythologischen Motiven inspiriert und mit Referenzen aus Hoch- und Pop-kultur spielend – erstmalig mit einem gemischten Ensemble aus Tänzer*innen und Schauspieler*innen. Die Gruppe formiert sich auf einer Tribüne zum Chor, um gemeinsam den Spielarten des Bösen auf den Grund zu gehen. Der Titel des Abends verweist auf die Mehrdeutigkeit des Bösen, denn das portugiesische „mal“ lässt viele Übersetzungen zu: Es meint Unbehagen, Leid, Qual, Mangel, Horror oder schlicht das Schlechte. „Embriaguez Divina” markiert das Böse als göttlichen Wahn und setzt ihm zugleich die entgrenzende Ekstase als Ausflucht entgegen. Folgt man dem Philosophen Georges Bataille, muss Kunst immer böse sein, als Gegenkraft zur kontrollierenden Vernunft. Kulturhistorisch zeigt sich das Böse als handlungsbestimmende Kraft – und das Theater wird immer wieder zu ihrem Schauplatz.

Marlene Monteiro Freitas, geboren und aufgewachsen auf den Kapverden, schafft opulente, formstrenge und poetische Bilderwelten. 2018 erhielt sie bei der Biennale in Venedig den Silbernen Löwen in der Kategorie Tanz.

Brimming with opulent, poetic imagery, Marlene Monteiro Freitas‘ rigorous choreographies are inspired by mythological themes and tongue-in-cheek references to pop and highbrow culture. Her latest work explores the ambivalence of evil in its different incarnations.

Mit Majd Feddah . Miguel Filipe . Walter Hess . Hsin-Yi Hsiang . Jelena Kuljic� . Andreas Merk . Samouil Stoyanov

Betty Tchomanga . Mariana Tembe Assistenz Lander Patrick Recherche João Francisco Figueira . Marlene Monteiro

Freitas Choreografie Marlene Monteiro Freitas Bühnenbildassistenz Miguel Figueira Dramaturgie Martin Valdés-Stauber

Licht . Bühne Yannick Fouassier Inspizienz André Calado Produktion P.OR.K . Münchner Kammerspiele Distribution Key

Performance Koproduktion Biennale de la danse de Lyon 2020 . Pôle européen de création – Ministère de la Culture/

Maison de la Danse en soutien à la Biennale de la danse de Lyon 2020 . Culturgest . HAU Hebbel am Ufer

Kunstenfestivaldesarts . Künstlerhaus Mousonturm . NEXT Festival . Ruhrtriennale . TANDEM Scène nationale

Teatro Municipal do Porto . Theater Freiburg . Wiener Festwochen

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ Gastspielförderung Tanz, gefördert von der Beauftragten

der Bundes regierung für Kultur und Medien sowie den Kultur- und Kunstministerien der Länder

DO 09. 07.19.00 Uhr

FR 10. 07.19.00 Uhr




Einführung 09. und 10.07. 18.30 Uhr . Louis-Spohr-Saal


Cool-down nach der Vorstellung 10.07.

Louis-Spohr-Saal

Dauer ca. 1h30

Ohne Sprache

36 . 37Zwoisy Mears-Clarke . Venuri Perera Kingston . Jamaika I Colombo . Sri Lanka

PorceLain White

Choreografie zum weißen Erbe in Körpern of ColourZwoisy Mears-Clarke und Venuri Perera sind eine beziehungsweise zwei Gene-rationen nach der Unabhängigkeitserklärung ihrer Heimatländer Jamaika und Sri Lanka geboren. Was sie bei aller geografischen Distanz verbindet, so stellen sie fest, ist ein Erbe aus der britischen Kolonialherrschaft, die ihre Rechtspre-chung, ihr Bildungssystem, ihr Klassendenken, ihre Moralvorstellungen und nicht zuletzt ihre Sprache auf beiden Inseln zurückließ. Nach dem Ende der Kolonialzeit übernahmen nicht-weiße Familien weitgehend die gesellschaftlichen Positionen der ehemaligen herrschenden Schicht. In Porcelain White stellen sich die beiden Choreograf*innen dieser komplizierten Wahrheit: Venuri Perera und Zwoisy Mears-Clarke, die ihren sozioökonomischen Status in der Mittelklasse verorten, befragen sich, wie sie als People of Colour ein weißes Erbe verkörpern, und untersuchen ihre Privilegien und die eigene Positionierung und Kompliz*in-nenschaft in neokolonialen Räumen.

Venuri Perera and Zwoisy Mears-Clarke, born after their countries' declaration of independence from British rule in 1948 and 1962, respectively, find that what they have in common is a ‘white’ inheritance. They were both brought up in the English-speaking middle class, which maintains certain practices adopted from the former colonial masters that protect their social status. Unravelling these complex connections as they inhabit neocolonial spaces, they probe their complicity and the scope and limits of their privilege. Konzept . Performance Zwoisy Mears-Clarke . Venuri Perera Lichtdesign Emese Csornai Dank an Sunila Galappatti . Sara

Mikolai . Isuru Kumarasinghe . Namal Jayasinghe . Bandu Hewage Förderung Internationaler Koproduktionsfonds des

Goethe-Instituts


FR 10. 07.21.30 Uhr

SA 11. 07.15.00 Uhr





Warm-up 11.07. 14.00 Uhr . Kleines Haus


Dauer ca. 1h


38 . 39Ira Brand London . Vereinigtes Königreich I Amsterdam . Niederlande

WaYs to submit

Ein Spiel um Macht und OhnmachtIra Brand will nur spielen. Ganz bestimmt. Die Regeln sind gesetzt, es kann also nichts passieren. Doch wer das Gesetz des Spielplatzes noch kennt, weiß, wie schnell aus Spiel Ernst werden kann. Wann sind wir überlegen? Wann spielen wir unsere Macht aus und übernehmen die Kontrolle? Wann müssen wir uns unter-werfen? Ways To Submit ist eine Aufforderung, sich diesen Kräfteverhältnissen zu stellen. In einer Reihe von Begegnungen mit ungewissem Ausgang untersucht Ira Brand, wie sich Macht in unterschiedlichen Bereichen unseres Lebens – physisch, psychisch, sprachlich, sozial, sexuell – ausformt. Ways To Submit ist die Einladung zu einem Spiel, einem Dialog, einer Performance, einem Kampf: eine Reihe von Duetten, in denen Macht ausgehandelt wird. Und am Ende tropft der Schweiß.

Ira Brand invites the audience into a fantasy, a game, a dialogue, a performance, a fight: a series of duets in which power is at work. Ways To Submit tries to under-stand the body – and the performance space – as a site of resistance and a site of succumbing. It explores what it means to play at dominance and submission. And who has the privilege to ‘play’?

Konzept . Text . Performance Ira Brand Dramaturgie Jo Bannon Licht . Technik Noah Voelker Sounddesign Yas Clarke

Gefördert durch das British Council

FR 10. 07.21.30 Uhr

SA 11. 07.17.00 Uhr

LOT-THEATER




Dauer ca. 1h30


SO 12. 07.15.00 Uhr

40 . 41Silke Huysmans . Hannes Dereere Gent . Belgien

PLeasant isLanD

Smartphone-Slam zum Aufstieg und Fall einer einsamen InselNauru ist eine kleine Insel im Pazifik: 5 km lang, 4 km breit. Von britischen Walfängern erhielt das tropische Paradies vor langer Zeit den Namen Pleasant Island. Heute steht der Inselstaat stellvertretend für kapitalistischen Raubbau an vielen Ort der Welt. Im 19. Jahrhundert entdeckte Phosphatreserven weckten Begehrlichkeiten: Großbritannien, Deutschland, Neuseeland, Australien – alle wollten ein Stück vom fetten Kuchen. 1968 wurde das Mini-Eiland unabhängig und wegen seiner Schätze, die noch 30 Jahre verfügbar sein sollten, zum reich-sten Staat der Erde. Ein Eldorado für seine Bewohner*innen, die sich so gut wie alles leisten konnten – bis von der pleasant island nicht viel mehr als eine gru-selige Mondlandschaft übriggeblieben war. Heute gehört Nauru zu den ärmsten Ländern der Welt und baut Lager für Geflüchtete, deren Internierung sich die Insel mit australischen Dollar bezahlen lässt. Die beiden Theatermacher*innen Silke Huysmans und Hannes Dereere sind nach Nauru gereist, um ein Stück über das ehemalige Paradies, dessen Ressourcen restlos erschöpft sind, zu machen – allein mit ihren Smartphones zum Aufzeichnen ihrer Recherchen ausgestattet. Welche Zukunft bleibt Nauru? Welche bleibt uns nach dem ökologischen und ökonomischen Ruin?

For Pleasant Island, Belgian performance artists Silke Huysmans and Hannes Dereere went on a research trip to the pacific island Nauru. Their smartphone based performance shows the rise and fall of the island nation – from immeasurable riches to complete economic and ecological ruin.

Konzept . Regie . Performance Silke Huysmans . Hannes Dereere Dramaturgie Dries Douibi Ton Lieven Dousselaere Technik

Anne Meeussen . Piet Depoortere Produktion CAMPO Koproduktion Kunstenfestivaldesarts . Spring Festival Utrecht

Beursschouwburg . Kunstenwerkplaats Pianofabriek . Veem House for Performance . Spielart . De Brakke Grond

Mit Unterstützung von Vlaamse Gemeenschapscommissie Vielen Dank allen Mitwirkenden in NauruSA 11. 07.19.00 Uhr

SO 12. 07.19.00 Uhr






Warm-up 12.07. 18.00 Uhr

Dauer 1h10


42 . 43Christoph Diem . Holger Schröder Braunschweig . Deutschland

Die inseL sachaLinvon Anton Tschechow

Inszenierte Lesung mit dem Ensemble des Staatstheaters BraunschweigSträflingskolonie des russischen Zarenreichs, Ort der Verbannung und Bestra-fung – 1890 bereist Anton Tschechow die große Pazifikinsel Sachalin ganz im Osten Russlands, die ihm nach seiner Rückkehr als wahre Hölle in Erinnerung bleibt. Er hält die Lebensverhältnisse der Strafgefangenen fest und beschreibt, wie die einheimischen Volksgruppen zwischen den Machtinteressen russischer und japanischer Besetzer aufgerieben werden. Anton Tschechow hat mit seinem Reisebericht ein eindrückliches humanitäres Manifest, ein Plädoyer gegen kolonialistisches Gebaren verfasst. Das Schauspielensemble des Staatstheaters Braunschweig präsentiert Tschechows Werk in einer einmaligen, eigens für das Festival Theaterformen inszenierten Lesung.

In 1890, Anton Chekhov travelled to Sakhalin, a penal colony of the Russian empire, a place of exile and punishment, which he remembered as hell on earth after his return. In Sakhalin Island, he records the living conditions of the prisoners and the local residents, who are worn down by conflicting interests between Russian and Japanese occupiers. Anton Chekhov’s condemnation of colonialism will be staged specifically for the festival by the ensemble of the Staatstheater Braunschweig.

Einrichtung Christoph Diem . Holger Schröder Live-Musik Lukas Pergande Mit dem Schauspielensemble des

Staatstheaters Braunschweig

SO 12. 07.17.00 Uhr




Dauer ca. 2h30 . eine Pause

Sprache Deutsch

AM GARTENHAUS HAECKEL IM THEATERPARKEINTRITT FREI!

Eichen sollst du nicht weichen. Buchen immer suchen. Das gilt exklusiv für das Festivalzentrum am Flüsschen Oker. Hier fließen die Informationsströme, es klatscht das Wasser an das Ufer, es klönt die Dibbesdorferin mit dem Dhakanesen und die Damaszenen tauschen Stückeindrücke mit einer Clique Bevenröderinnen aus. Ein schattiger Platz bei Sommersonne erwacht am Abend zum Konzert und taucht in bunten Lichtern. Hier spielen unsere Bands bei freiem Eintritt, bei Schmaus und bei Braus. Saus!

46 . 47

ROLF HANSEN

Es ist die Jazzyness. Rolf Hansen, Däne in Berlin, interpretiert

die Blue Notes ganz anders. Er kommt aus dem Jazz, hat viele

Jahre als Studiomusiker für alle poppy Musiken verbracht,

und sein Instrument ist die, so der Titel seines aktuellen

und bezaubernden Albums, „Elektrisk Guitar”. Ein Gespür für

Ambienten, technisches Können bei verantwortungsbewusstem

Umgang damit sowie eine große Lust am Improvisieren, das

sind so die Götterfunken seiner Musik. Besser ist nur: Er bleibt

dem Festival Theaterformen um einen weiteren Tag erhalten.

Rolf Hansen spielt auch Gitarre als Teil von Donna Regina.

SUFF DADDY & THE LUNCHBIRDS

Bügelt eure Hände, es kommt das Wochenende! Zeit, ganz wibbely-woobbely zu werden

mit Suff Daddy und seinen Lunchbirds: Das Kristalline der Beat-Landschaften eines Tracks

wie „Vladimir Plugin“, das Ineinandergekeilte eines Super-Movers wie „Piano Joint“ oder

die Geschmeidigkeit des Gleiters „Konnopke“ erfahren auf der Bühne eine zusätzliche

Dimension. Mit dem Chef selbst an allem möglichen, an den Keyboards Hendrick Stiller,

sonst auch bei den „Ruffcats“ zu hören, und dem noch vom Theaterformen-Vorjahr her

berühmten Schlagzeuger Tobi Trommel (AMEWU!) durchfließt der Geist des Spielens, Pro-

bierens, Jammens und Improvisierens diese krassgute Band. Es ist die Jazzyness, Katze!

roLf hansen BERLIN . DEUTSCHLAND

suff DaDDY & the LunchbirDs BERLIN . DEUTSCHLAND

FR 03. 07. 21.30 UHR

Auf der Fähre zum Planeten Neptun träumte ich einen aufgrund

der Reisedauer sehr langen Traum. Bruchstückhaft darin waren zu

erkennen die von „Kofelgeschroa“ bekannte Klarinettistin Theresa

Loibl, die beiden Erfinder von „sowohl Weilheim“ als auch „The

Notwist“ Micha Acher und Markus Acher, letztgenannter am Sousa-

fon. Weiterhin dabei ein Background-Sänger und ein Percussionist.

In diesem Traum stand Julian Warner auf der Bühne und sang Lieder

über Rindermärkte und den Stand von Schland im Allgemeinen.

Warner nannte sich in Anspielung auf alte Bildschirme und auch auf

den großen nigerianischen Musiker „Fehler Kuti“ und sang einen

superflowigen Pop. Wer Lust hatte, konnte aus den Texten auch

Theoriespaß und Smartness herauslesen, aber nur wer Lust hatte.

Das Festivalzentrum an der Oker tanzte, bis auf den einen, dem

das nicht Rock'n'Roll genug war. Auf diesen Neptun-Überfahrten

kommen einem wirklich die komischsten Gedanken.

fehLer kuti MÜNCHEN . DEUTSCHLAND

DO 02. 07. 21.30 UHR

ILGEN-NUR

Es gehört zu den Herausforderungen unserer Zeit, die

Künstlerin Ilgen-Nur anzukündigen, ohne auch nur einmal das

Wort „cool“ zu benutzen. Das ist so ähnlich wie auf Twitter:

Dort zählen schließlich auch nur die total unerwartbaren

Kommentare oder eben diejenigen, die am stärksten polarisie-

ren. Beides passt nicht ins Beuteschema des Cool, denn cool

ist total erwartbar und außerdem lieben alle das Cool. Wer

möchte denn bitte nicht cool sein? Sollte es das Ansinnen der

neuen Slacker-Königin dieses unseres Landes sein, dann ist es

Ilgen-Nur Borali aus Hamburg nicht gelungen. Was sie besser

kann: Songs schreiben, so richtige Indie-Rock-Hits, wobei Rock

in dem Fall eher eine Frage der Instrumentierung ist. Erste

EP, erster Hit, „Cool“, 2017. Erstes Album, zweiter Hit, „Power

Nap“, 2019. So Adoleszenz-Geschichten, megalässig erzählt.

DONNA REGINA

Ein Theaterformenwunsch geht in Erfüllung! Köln war als Kunst und Subkultur-Zentrum für das alte West-

deutschland mindestens so wichtig wie Hamburg, München und Berlin-West. Eine Band, die diese Vergan-

genheit mitbringt in die Gegenwart jener Republik, in der sich immer mehr auf die Hauptstadt hin zentriert,

sind Donna Regina. Sie sind in Berlin. Doch haben Sängerin Regina und Bassist Günther Janssen seit dem

Jahr 1990 ebenso das bohemistische Köln mitgeprägt. Mit der Melancholie einer geschwungenen Stehlampe

tauchte ihr Klang erstmals auf und bis heute gilt: Hast du den ersten Takt erlebt, ist klar, ob Donna gerad’

im Äther schwebt. Oder, wie Regina auf dem Album „Transient“ so mondän singt: „Sie schleudert Blitze / In

das Geschwätz dieser Welt“.

48 . 49

iLgen-nur HAMBURG . DEUTSCHLAND

Donna regina BERLIN . DEUTSCHLAND

SA 04. 07. 21.30 UHR

Die Cellistin aus der Hauptstadt erzählt auf ihrem Album

„Heliopause“ ganz persönlich, was es bedeutet, Künstlerin

zu sein. Das Eröffnungsstück „Being Anne“ beginnt sie mit

zaghaften Schraffuren, Verwaschungen und Pausen, um

dann festeren und lauteren Griff & Strich zu bekommen.

„Heliopause“ setzt sich fort mit Schleifen und Modulen, mit

raumöffnenden Melodien und dynamischen Zirkeln. Es ist

eines der Alben des vergangenen Jahres, und am Ende ist

klar: „Being Anne“ bedeutet, ein Selbst als Künstlerin zu

wagen. Denn wenn „Heliopause“ auch ihre erste Solo-Veröf-

fentlichung ist, Müller hat schon einige Jahre als Cellistin

zwischen Pop, Ambient, und Klassik hinter sich. Nach der Zeit

in verschiedenen symphonischen Orchestern Berlins begann

sie langjährige Zusammenarbeiten mit Agnes Obel und Nils

Frahm, die sie im letztgenannten Fall bis heute fortführt. Mit

Alex Stolze und Sebastian Reynolds gemeinsam spielt sie

im „Solo Collective“. Und hat auch sonst eine Veröffentli-

chungsliste, lang wie eine Elle: Alleine auf ihrem Label Erased

Tapes finden sich die Namen Lubomyr Melnyk und Ólafur

Arnalds, mit denen sie bereits live gespielt beziehungsweise

im Studio aufgenommen hat. Anne Müller live ist übrigens ein

Must-have wie die Clutch-Bag von Celine.

anne mÜLLer BERLIN . DEUTSCHLAND

SO 05. 07. 21.30 UHR

50 . 51

„Salsa ist eine Soße!“, sagte einst Tito Puente. Wie erst sollen wir dann den Flamenco labeln? Wie? Von

prä-romanischen Musiken über die kastilische Romanze und die Überlieferungen des Al-Andalus aus dem

Vorderen Orient wurden Musik und Tanz von den Roma in Spanien weiter bespielt und immer wieder fit für

die Gegenwart gemacht. Umso verwirrender, dass die Madar Band den Flameco nur als eine der Musiken

nennt, die sie spielt. Mit zwei Akustik- und einer Bassgitarre nennen Madar Band auch südamerikanische

Musiken „hot“ und einige ihrer Improvisationen swingen wie Stéphane Grappelli, sich duellierend mit

Django Reinhardt irgendwo in Paris vor einigen Jahrzehnten. Dazu die klassische Musik aus Syrien, von wo

her die drei Musiker ursprünglich kommen. Inzwischen haben sie im Berliner Hotspot für Weltenwandernde

und Zuhausesuchende „Refugio“ eine Gravitationsachse gefunden, eine Insel gar.

„Wie klingt ein Balun?“, das wäre eine Frage an die Tontechnikerin. „Wie vertone ich

die Allgemeine bauaufsichtliche Zulassung?“, diese Frage geht an die Schlosserei.

„Was ist der Sound des guten Bahnpreises für diese Schauspielerin, die wegen

des geänderten Spielplans kurzfristig anreist?“ Das weiß nur das Künstlerische

Betriebsbüro. Doch da wir auf P!O!P! stehen, drehen wir den Spieß lieber um. Und

lassen das Künstlerische Betriebsbüro, die Theaterschlosserei und Tontechnik mit

ausgewählten Hits an die Mikros. Kann auch ein Schauspieler oder eine Dramaturgin

dabei sein. Hauptsache, das Staatstheater Braunschweig zeigt sich so, wie es

ist. Mit Liebe zu diesen Brettern. Und dank der pulitzerpreisfürcomedy-würdigen

Moderation von Dramaturg Holger Schröder und Hausregisseur Christoph Diem mit

einem Drang zum Schmäh.

Direktmusik BRAUNSCHWEIG . DEUTSCHLAND

DI 07. 07. 21.30 UHR

maDar banD BERLIN . DEUTSCHLAND

MO 06. 07. 21.30 UHR

Zirpen, zischen, züseln, Tellavision drängt zum Worte Erfinden. Fee Kürten macht seit gut zehn Jahren

Musik unter diesem Namen und hat vier Alben veröffentlicht. Das letzte von diesen, „Add Land”, setzte

die Kontinuität vom großen Spielen aus Elektro, Genialen Dilletanten und Krautrock, und gleichsam

glamourifizierte sich Tellavision auf diesen Aufnahmen selbst. Alles klingt inzwischen wie ein Statement,

sehr betont, sehr auftrittmäßig. Live im Trio mit Schlagzeug und Bass/Synthesizer. Wir zeuseln uns!

teLLavision BERLIN . DEUTSCHLAND

MI 08. 07. 21.30 UHR

Gab es ja auch noch: den Balkan. Ausgerechnet der politisch verrutschte

Schwammerl-Sucher Peter Handke stieß im vergangenen Jahr eine Debatte über

die politische Vergangenheit jener Staaten an, die einmal Jugoslawien angehört

hatten. Beziehungsweise nicht er, jene jedoch, die angesichts seiner journalistischen

Beiträge über die Zeit des Krieges auf dem Balkan nicht einverstanden waren mit

der Verleihung des Literatur-Nobelpreises für den Schriftsteller. Eine Debatte, die

schlimm war, da sie krass irrational auf allen Seiten geführt wurde; eine Debatte,

die aber dennoch produktiv wirkte, insofern sie andere Wirklichkeiten als die

Befindlichkeiten von Großbritannien und dem Schland ins Bewusstsein rückte.

Vernesa Berbo spielt am Gorki-Theater in Berlin in vielbeachteten Stücken wie etwa

„Common Ground” und versammelt dort immer wieder einmal ihre Band: Boys aus

dem uns so fremden Thüringer Wald sowie sie selbst nebst Amira Kellner, beide

singend. Danke Handke!

vernesa berbo & baLkan boYs BERLIN . DEUTSCHLAND

DO 09. 07. 21.30 UHR

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abschLussPartY MIT SENU BERLIN . DEUTSCHLANDUND SHUNGU BRÜSSEL . BELGIEN

SA 11. 07. 23.00 UHR . Kleines Haus . Aquarium

SHUNGU

Der belgische Beatbauer ShunGu war in seiner kurzen Karriere

seiner Zeit voraus und gleichzeitig so underground, dass

wir befürchten, er könnte gleich von einer U-Bahn erwischt

werden. Als er 2014 eine Serie von Tapes veröffentlichte,

deren Thema die Sternzeichen waren, da drehten sich zum

ersten Mal die Köpfe nach ihm um. Seine Beats zeigten sich

beeinflusst von den Gottheiten der Szene — Dilla, Madlib,

Knxwledge — stachen doch hervor durch eine gute Portion

Charakter und Louis Shungus Vision. Auch bewies er einen

guten Geschmack für Kollaborationen: So hat er bisher

bereits mit einigen hellen Lichtern der Rap-Szene auf der

Online-Plattform Bandcamp zusammengearbeitet, darunter

Chester Watson und der „Hot Record Société“.

54 . 55

„Radyo Siwel“, so betitelt die kanadische Gitarristin und Sängerin Mélissa Laveaux eine Sammlung von Liedern. Für „Radyo

Siwel“ hat sie eine Recherche in Haiti unternommen, von wo aus ihre Eltern nach Kanada emigriert waren. Sie zeigte sich

beeindruckt vom Symbolismus und den Allegorien in den Geschichten und Liedern einer Insel, die mehrfach kolonialisiert oder

besetzt gewesen war, etwa von Frankreich oder den USA. Aus diesen Eindrücken entstanden Songs in kreolischer Sprache wie

etwa das locker fließende „Lè Ma Monte Chwal Mwen“ oder das in einem Socca-Beat tänzelnde „Jolibwa“. Live reduziert die in

Paris lebende Laveaux diese Songs in der Besetzung Schlagzeug, Bass und Gitarre/Gesang zu einem trockenen Gerüst kantiger

Formen. Geht voll in den Groove.

mÉLissa LaveauX PARIS . FRANKREICH

FR 10. 07. 21.30 UHR

Die WiLDe JagD HAMBURG . DEUTSCHLAND

SA 11. 07. 21.30 UHR

Letzter Festival-Samstag, die Austreibungszeremonie mit

Ginsterbusch-Räuchern und Fliegenpilz-Suden. Das ist der

Effekt von Sebastian Lee Philipp. Als Produzent und Song-

schreiber nennt er sich Die Wilde Jagd und trifft damit perfekt

die Ambience seiner zu Klang werdenden Daten. Das Studio ist

sein Urwald. In den Raunächten fegt die Geister-Schar flat-

ternd durch die Himmel und gibt Kälte und Hunger eine Form,

und ebenso verwandelt der Typ im Studio einem Euro-Scha-

manen gleich die Laute des MFB–Dominion 1-Synthesizers in

Anrufungen, Beschwörungen und Besänftigungen. Ceci n'est

pas de la techno. Und doch ist es Trance. Mögen die Geister

diesem Festival auch im nächsten Jahr wohlgesonnen sein.

SENU

Sie nimmt sich den Reichtum aus Musik und Kultur des Black

Atlantic. Durch dieses Vorgehen verliebt sich SENU immer

wieder in alte und neue Sounds aus Afrika, aus den Amerikas

sowie den urbanen Räumen multipler Diasporas. Tief ver-

strickt in die Vielfalt der Genres, Einflüsse und Ausdrucks-

weisen Berlins, wachsen SENU und ihre eklektischen Sets

permanent. Kein Set ist sich gleich. Schwere Basslinien und

polyrhythmische Arrangements spinnen die Fäden zwischen

Kuduro, Gquom, Afro Beats, Baile Funk, Rap und was sonst

noch ihr Up-Tempo Set schöner machen mag.

56 . 57

Performance-Benchmark des Sundowner-Konzerts am

allerletzten Tag: Die Sonne zu möglichst ausgeschlafenen

Takten untergehen zu sehen. Die Leute sind schließlich längst

nicht mehr ausgeschlafen. Den Job der heiteren Lässigkeiten

übernehmen heuer The Work-Life Balance aus Hannover.

Niemand weiß, wie sie klingen. Ah doch, da entschwebt eine

Melodie-Bassline zum Da-Da-Da-Trommelrhythmus und einer

kindlich pfeifenden Orgel der Studiotür, und auf einmal ziehen

die Gitarren an zu fast so etwas wie dynamischem Zug und je-

mand singt „It's not a crime to be alone“. Wäre doch gar nicht

nötig gewesen. Wenn sich eine Gruppe mit dem selbstverlie-

henen Etikett „Softie Post-Punk“ vorstellt, na dann Guten Tag.

Und dann Gute Nacht!

the Work-Life baLance HANNOVER . DEUTSCHLAND

SO 12. 07. 21.30 UHR

58 . 59

zuhÖren, mitreDen, tun – PubLikum

Während des Festivals können Sie sich in verschiedenen Formaten über zeitgenössisches internationales Theater informieren, Künstler*innen, Mitwirkende und das Festivalteam kennenlernen und gemeinsam diskutieren.

Vor den VorstellungenIn den Einführungen vor den Vorstellungen erfahren Sie mehr über die Inszenie-rungen und ihre Entstehung. In den Warm-ups bereitet sich das Publikum eine Stunde vor Vorstellungbeginn nicht nur geistig, sondern auch körperlich auf die Aufführungen vor.

Nach den VorstellungenDrei Gesprächsformate finden im Anschluss an ausgewählte Vorstellungen statt: Bei „10 Minuten 10 Fragen“ ist der Name Programm, das Cool-down ist ein mode-riertes Nachgespräch unter Zuschauer*innen im Stil einer Lagerfeuerrunde und das Format „Gespräch“ findet in der Regel mit Künstler*innen statt.Termine für Einführungen, Gespräche nach den Vorstellungen, Warm-ups, Cool-downs und „10 Minuten 10 Fragen“ finden sich sowohl auf den jeweiligen Stück-seiten als auch im vorderen Umschlag und im Spielplan des Programmheftes.

FESTIVALCAMPUS NIEDERSACHSENIn Kooperation mit den Kunstfestspielen Herrenhausen bietet das Festival Theaterformen 50 Studierenden von fünf niedersächsischen Hochschulen mit dem Festivalcampus Niedersachsen eine besondere Veranstaltung an: Die jun-gen Wissenschaftler*innen und Künstler*innen studieren Theaterwissenschaft, Kulturwissenschaft, Szenografie, Kunst, Performance und Komposition in Hannover, Lüneburg, Braunschweig und Hildesheim. Sie besuchen die Veranstal-tungen beider Festivals, tauschen sich mit Künstler*innen aus und diskutieren über die Aufführungen in Seminaren und Workshops. Der Festivalcampus bietet Raum für ästhetische Erfahrungen und kritische Reflexion: die Grundlage für eine lebendige, gesellschaftlich relevante und zukunftsweisende künstlerische und kulturelle Arbeit.

Konzeption und Realisierung Philipp Schulte, Theaterwissenschaftler, Frankfurt am Main, und Antonia Rohwetter, Kulturwissenschaftlerin, Berlin

Mit Universität Hildesheim . Hochschule für Bildende Künste Braunschweig . Leuphana Universität Lüneburg . Hochschule

für Musik, Theater und Medien Hannover . Hochschule Hannover

Gefördert von der Stiftung Niedersachsen

GradTUBS MEETS FESTIVAL THEATERFORMENAm 3. Juli 2020 erhalten Promovierende der TU Braunschweig die Möglichkeit, in das ungewöhnliche Arbeitsleben von Martine Dennewald und in das ihres Teams zu blicken und Fragen rund um Festival und Arbeitsweisen zu diskutieren. Im Anschluss an eine informelle Gesprächsrunde steht der Besuch der Vorstellung Granma. Posaunen aus Havanna von Rimini Protokoll auf dem Programm. Beim gemeinsamen Drink mit der Theaterpädagogin Marie-Luise Krüger klingt der Abend im lauschigen Festivalzentrum im Theaterpark bei Livemusik aus.

Mehr unter www.tu-braunschweig.de/gradtubs

In Kooperation mit der Graduiertenakademie GradTUBS der Technischen

Universität Braunschweig

DirektorinnentauschDen Kunstverein Braunschweig und das Festival Theaterformen verbindet eine langjährige Freundschaft. In diesem Jahr kollaborieren die beiden Institutionen im Rahmen eines Direktorinnentausches. Jule Hillgärtner, Direktorin des Kunst-vereins, eröffnet am 4. Juli um 18 Uhr die Installation Thirst beim Festival und spricht mit Künstler Voldemars Johansons. Martine Dennewald wiederum führt einen Tag später durch die Kunstvereinsausstellung THE FACULTY OF SENSING – Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm Amo.

SA 04.07. 18.00 Uhr

Vernissage „Thirst“ und Künstlergespräch mit Voldema�rs Johansons und Jule Hillgärtner, Direktorin Kunstverein Braunschweig

SO 05.07. 15.00 Uhr

Ausstellungsführung mit Martine Dennewald durch „THE FACULTY OF SENSING – Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm

Amo“ im Kunstverein Braunschweig

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zuhÖren, mitreDen, tun – schuLe

Seit 2018 bietet das Festival unter der Leitung von Marie-Luise Krüger ein thea-terpädagogisches Vermittlungsprogramm an. Dazu gehören begleitete Stückbe-suche für Schulgruppen, das Festivalstipendium Into the Blue für Schüler*innen der neunten und zehnten Klassen und die Masterclass für Schüler*innen des Fachs Darstellendes Spiel.

In etwa zeitgleich mit dem Redaktionsschluss dieses Heftes hat das Land Niedersachsen aufgrund der COVID-19-Pandemie

beschlossen, Schulgruppenbesuche in Theatern (außerschulische Lernorte) zu untersagen. Zur Debatte steht, ob Theater-

pädagog*innen möglicherweise in den Schulen selbst Vermittlungsangebote durchführen dürften. Insofern prüft das Festival

aktuell, inwieweit theaterpädagogische Angebote angepasst und vor Ort in den Schulen umgesetzt werden können. Lehrer*innen

bitten wir, sich über aktuelle Vermittlungsangebote auf unserer Homepage auf www.theaterformen.de zu informieren.

Marie-Luise Krüger steht Lehrer*innen bei Fragen gern unter [email protected] zur Verfügung und hofft, gemeinsam

mit den Schulen kreative Lösungen für Klassen und Kurse zu finden.

into the bLue

EIN TAUCHGANG INS FESTIVALFestivalstipendium für Schüler*innen

Into the Blue ist ein Projekt für Schüler*innen von 14 bis 18 Jahren. Es bietet die Möglichkeit, eines der größten Festivals für internationales Theater in Deutschland unter fachkundiger Leitung kennen zu lernen und tief einzutauchen in die Theater-welt. In eigens für die Gruppe organisierten Workshops treffen die Jugendlichen die Künstler*innen des Festivals und erproben, was Theater, Theaterspielen und Zuschauen alles bedeuten kann.

Vorerfahrungen sind nicht notwendig. Voraussetzung für die Teilnahme sind Interesse an Theater, die Lust, Teil einer Gruppe zu sein und die Motivation, sich voll und ganz einzulassen auf fünf Workshoptage. Eine Schulbefreiung ist von Mittwoch, 8. bis Freitag, 10. Juli notwendig. Die Verfügbarkeit während des gesamten Zeitraums (08.-12.07.) ist Voraussetzung für die Teilnahme. Into the Blue ist ein kostenloses Vermittlungsangebot.

MI 08.07. – SO 12.07.Ganztags mit ausgiebiger Mittagspause

Anmeldung bis zum 01.06.2020 bei Marie-Luise Krüger unter [email protected]

Gefördert durch die STIFTUNG Sparda-Bank Hannover

„Es war eine supertolle Zeit und ich würde sie immer wieder wiederholen wollen.“

„Für uns ist es etwas Besonderes, so etwas erlebt haben zu dürfen und wie sehr Euch am Herzen lag, dass wir Spaß haben und dass es uns gut geht. Ihr habt uns geholfen, aus verschiedenen Perspektiven die Dinge zu betrachten.“

„Diese Zeit war: inspirierend, bereichernd, lehr- und hilfreich – einfach wunderschön!“

Brieffeedback von Into the Blue-Teilnehmer*innen

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mastercLass

Die Masterclass ist ein Vermittlungsformat, das eine Begegnung zwischen Schüler*innen des Fachs Darstellendes Spiel und internationalen Theater- macher*innen ermöglicht. Vier Tage lang arbeiten 20 Schüler*innen des elften Jahrgangs mit Künstler*innen des Festivals zusammen, um jeweilige Arbeits- techniken und -praktiken kennen zu lernen. Die Theaterpädagogin Marie-Luise Krüger betreut die Workshops und begleitet alle beim Sich-Einlassen auf starke künstlerische Haltungen, auf fremde Sprachen, auf Momente von cultural clash und Verunsicherung, auf Spaß und neue Erfahrungen. Die Schüler*innen erar-beiten in den Workshops eine kurze Aufführung.

In diesem Jahr treffen die Schüler*innen der Masterclass auf die Tänzerin Marlince Ratu Dabbo und den Tänzer und Choreografen Eko Supriyanto, die beim Festival mit der Choreografie Ibuibu Belu: Bodies of Borders und dem Solo Salt zu Gast sind.

Gefördert durch die Erich Mundstock Stiftung

66 . 67

Ich bin das Publikum. Sie sind die Schauspielerin. Ich bin hergekommen,

um Sie zu sehen. Ein Stück näherzukommen.

Ich bin der Schauspieler. Sie sind das Publikum. Sie sind hier, um mich

zu sehen. Um zu hören, was ich zu sagen habe.

Ich weiß, das ist nichts Besonderes.

Sie lächeln und wollen wissen, was dahintersteckt. Ich versuche, mir

etwas vorzustellen. Währenddessen üben Sie sich in Geduld.

Ich bin eine Seite, Sie eine andere. Bin ich fremd? Sind Sie vertraut?

Was haben Sie mitgebracht?

Was halten Sie in der Hand? Was steckt in Ihrer Tasche?

Welches Lied geht Ihnen durch den Kopf?

Und welchen Heimweg werden Sie einschlagen?

Jetzt ist es wieder still und etwas hat sich verändert. Etwas ist anders

zwischen uns. Ich habe ein kleines Zittern in der Stimme. Hören Sie das?

Das hier ist eine Karte. Haben wir beide Platz darauf? Ich bin hier

drüben, jenseits der Grenze.

Das sind meine Kleider. Meine Uhr. So trage ich die Haare. Diese Narbe

auf meinem Arm, ich zeige sie Ihnen.

Hier komme ich her. Die Straße, die Stadt, die Zeit; meine Geschichte.

Ich erzähle Ihnen, wie das ist. Sie können mich sehen. Sie hören zu.

Das sind meine Finger, flüstere ich. Wie sehen die von da drüben aus?

So verschränke ich sie. Sie machen das auch.

Wie lange sind wir schon hier?

Viertelstunde vielleicht.

Sie sind auf einer Seite, ich auf der anderen. Zwischen uns ist eine Linie.

Ich bin nicht so stark wie Sie.

Das macht nichts.

Sie sagen mir Ihren Lieblingsort. Ich stelle Sie mir dort vor. Sie öffnen

Ihren Mund zum Sprechen. Was werden Sie sagen?

Das ist mein Körper, wie er gegen den Wind geht. Sehen Sie? Das bin ich

oben auf einem Berg. Können Sie sich das vorstellen.

Stellen Sie sich vor, wie ich Auto fahre.

Ein Baby auf dem Arm halte.

Stellen Sie sich mich wütend vor.

Stellen Sie sich mich schlafend vor.

In dieser einen Stunde gibt es nur uns. Was werden Sie geben? Ich werde

es behalten, versprochen.

Hatten Sie schon mal eine Schusswaffe in der Hand?

Haben Sie schon mal draußen geschlafen?

Wie viel Geld haben Sie im Portemonnaie?

A DUET FOR STRANGERS

von

600

HIG

HW

AYM

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Abigail Browde und Michael

Silverstone zu ihrer neuen

Arbeit A Thousand Ways

68 . 69

Das sind Fragen.

Wir können hier nichts falsch machen. Wir sind die Expert*innen.

Ist das ein Kreislauf oder eine Linie? Jede Drehung, jede Biegung wird zu

etwas anderem.

Ich zeige es Ihnen und Sie zeigen es mir. Und vielleicht, ganz vielleicht

entsteht etwas dabei.

Und jetzt – das kann ich nicht behalten. Was Sie gesagt haben, kann ich

nicht behalten. Etwas ist weggerutscht – was ich gedacht habe, wie ich

mir etwas vorgestellt habe. Wo ist es hin?

Man kann das auf tausenderlei Arten machen

Von hier führt ein Tunnel

Können Sie graben

Sollen wir etwas tiefer graben

Sie sind der Schauspieler

Können Sie hier drunter kommen

Ich bin die Schauspielerin

Irgendwo müssen wir anfangen

Wieso

nicht

hier

nur

Sie

und

ich.

„A Thousand Ways“, die brandneue Arbeit von 600 HIGHWAYMEN, ist soziales Experiment und Performance

zugleich und wird am 5. Juli im Braunschweiger Haus der Wissenschaft uraufgeführt. Abigail Browde und

Michael Silverstone gründeten ihre Compagnie 600 HIGHWAYMEN im Jahr 2009. Seither feiert das Regie-

duo, das in Brooklyn lebt und arbeitet, in den USA und Europa große Erfolge. Unter anderem erhielten sie

2014 den begehrten Obie Award, den renommiertesten Theaterpreis der USA für Off-Broadway Inszenier-

ungen. „A Thousand Ways“ ist die fünfte Arbeit, die das Festival Theaterformen von ihnen zeigt – nach

„The Record”, „Employee of the Year”, „The Fever”, und „The Collectors”.

Abigail Browde und Michael Silverstone sind zusammen 600 HIGHWAYMEN. Foto: Alec Smith

70 . 71

Im Sommer 2019 entschied sich Ogutu Muraya, seine Aufent-

haltsgenehmigung für den Schengen-Raum nicht zu verlän-

gern. Er verließ Amsterdam, wo er bisher gelebt hatte, und

ging nach Nairobi. Im Juni 2018 war er noch mit zwei Stücken

zum Festival Theaterformen gereist. Zum Münchner Spielart

Festival, das ihn im Herbst 2019 eingeladen hatte, schickte

er anstelle seiner den in Brüssel lebenden Performer Quinsy

Gario. In seiner Begründung schrieb Muraya damals, dass es

für ihn schwierig geworden sei, den immer wiederkehrenden

Prozess der Existenzrechtfertigung zu durchlaufen, um eine

zeitlich begrenzte Genehmigung von einem unbestreitbar

diskriminierenden System zu erhalten – einem System,

dessen Filter und Tendenzen unverhältnismäßig oft People of

Colour angreife. Anfänglich von seinem Boykott überzeugt,

schlichen sich im Laufe der letzten Monate mehr und mehr

Zweifel in Murayas Entscheidung, die er mit dem folgenden

Text Revue passieren lässt.

An jenem Abend Ende Juni 2019 saß ich, geschützt vor einem Orkan, an einem komplett mit Papieren bedeckten Esstisch. Das Hausboot an der Grenze zwischen Amsterdam und Badhoevedorp wurde immer heftiger von Wind und Starkregen ge-schüttelt. Das war der Moment, in dem es mir reichte. Diese Unterlagen gehörten zu einem Spiel, in dem regelmäßig von mir verlangt wurde, meinen Wert, die Qualität meines Beitrags, meinen Vermögensstatus nachzuweisen und meine gute Führung zu bestätigen – kurz, ich musste beweisen, dass ich keine Belastung, sondern dass mein Aufenthalt produktiv und zeitlich begrenzt war. Solange ich mitspielte, Folge leistete und diesen Forderungen entsprach, hatte ich Anspruch auf soziale Mobilität in Form einer Plastikkarte, vermittels der ich mich innerhalb der Festung Europa frei bewegen konnte. Es reichte mir, weil ich meinen Wert nicht länger beweisen wollte. Es reichte mir, weil ich zugelassen hatte, dass dieses Spiel meine Fantasie in Beschlag nahm. Es reichte mir, weil ich zugelassen hatte, dass dieses Spiel eine ordentliche Wut, Ablehnung und Verachtung meinem neuen Status gegenüber her-vorgerufen hatte. Dort an jenem Esstisch beschloss ich, keine weitere Verlängerung meiner niederländischen Aufenthaltserlaubnis zu beantragen, sondern nach Nairobi zurückzukehren. An jenem Tisch flüsterte mir eine leise Stimme zu: Schlaf nochmal drüber, und wenn du morgen genauso denkst, dann weißt du, was zu tun ist.

Ich blieb bei meiner Entscheidung, obschon meine Überzeugung wankte. Bei die-sem ganzen Vorgang, das Schengen-System zu verlassen, machte ich jedoch einen Fehler. Ich verkündete, dass meine Entscheidung ein politischer Boykott sei. Ein Fehler, denn es war keine politische, sondern eine spirituelle Entscheidung. Ich ver-ließ Europa, weil meine Vorstellungskraft schal geworden war. Meine Erwartungen waren zu bitteren, blauen Ruinen verkommen. Meine Fähigkeit zu träumen kam mir zusehends abhanden. Die Zukunft war nicht mehr eine Vielzahl von Möglichkeiten, sondern nur noch eng und flach. Mir war dort unablässig bewusst, dass mein Den-ken in einem dichten Gestrüpp mit dicken, langen Dornen verfangen war. Ich steckte fest, verhakt in einem Schlehdornbusch, um mich herum seine zwei- und dreifalti-gen Blüten, gefangen und aufgespießt auf seinen steifen, ausgreifenden Ästen. In diesem Schwebezustand hatte ich das überwältigende Bedürfnis, meine Fantasie freizusetzen. Mein Denken zu befreien vom unablässigen Grübeln darüber und For-mulieren dessen, was nicht stimmte. Ich war der Bilder überdrüssig, die mir wie ein Spiegel vorgehalten wurden: strukturelle Ungleichheit, generationsübergreifendes Trauma, historische Ungerechtigkeit. Es musste doch andere Muster, Abfolgen und Kombinationen geben, die mich nicht fortwährend als Opfer darstellten.

Die suche nach Der befreiung meiner fantasievon Ogutu Muraya

Im Indischen Ozean

zwischen Mosambik

und Madagaskar liegt

Ndzuwani, eine der

drei Hauptinseln der

Republik der Komoren.

Foto: O. Muraya

72 . 73

Mit diesem Entschluss wollte ich mich allmählich aus einer Dunkelheit befreien, gebildet aus zwei der bestechendsten Hypothesen des Teufels: Nihilismus – wenn nichts von Bedeutung ist, wieso sollte man überhaupt etwas tun, und Suizid – wenn sich die Mühe nicht lohnt, irgendetwas zu tun, wieso dann weiterleben? Die Mus-ter, Abfolgen und Kombinationen, die ich während der fünf Jahre meines Lebens, Studiums und meiner Arbeit in Europa übernommen hatte, hatten mich in eine hakelige, verfahrene und unfreie Lage gebracht, in der ich unmöglich zur guten afrikanischen Diaspora gehören konnte, das hieß: dem System entsprechen, dop-pelt so viel arbeiten und zur Freude meiner nächsten Verwandten Geld schicken. Stattdessen zog ich mich zurück, wurde nachtragend, ängstlich und depressiv. Es

war ein Fehler, meine Entscheidung als politischen Boykott zu bezeichnen. Auch wenn ich mir weisma-chen konnte, dass politische Gründe dahinterstanden: Mir war klar, dass die Entscheidung allein mich betraf, eine autonome Handlung gegen zunehmende struk-turelle Ungleichheit. Ein solcher Boykott hatte keine erkennbaren Auswirkungen über meine persönliche Realität hinaus, nicht nur war er anmaßend, in seine Logik war auch das Scheitern bereits eingeschrieben.

Um diesen Fehler, der mich als Rebellen dastehen ließ, zu rechtfertigen und um die Konfrontation mit meinem Geisteszustand zu vermeiden, befasste ich mich mit der Inselgruppe der Komoren, mit der Ab-

sicht, die Migrationskrise in nicht-europäischem Zusammenhang zu untersuchen. Auch wenn ich anfänglich von der Ernsthaftigkeit meiner Absichten überzeugt war, erkannte ich bei meiner Ankunft auf den Komoren Mitte Dezember 2019 ihre Frag-würdigkeit. Meine Recherchen dort hinsichtlich der Fakten der politischen Lage waren oberflächlich, substanzlos, schlichtweg dünn. Mit der Behauptung, in zwei Wochen auf den Komoren so viel über die vielschichtige, komplexe Migrationskrise zu erfahren, dass ich ernsthaft darüber sprechen könnte, hatte ich mir offensicht-lich selbst etwas vorgemacht. Ich würde mir wirklich sehr wünschen, dass es in meinem Projekt The Ocean is Always Trying to Pull You In um die Komoren ginge; wenn ich ehrlich bin, geht es aber nicht um die Komoren. Die Inseln bilden lediglich den Hintergrund, vor dem ich meine eigene Geschichte erzähle. Eigentlich geht es um mich, um meine Kämpfe und meine Desillusion. Ich bin es, der mit unzweideutiger

Mission das Reich von Fantasy und magischem Realismus bereist: um meine Fan-tasie zu befreien.

Ich würde das Prinzip „Visum bei Ankunft“ als Grundrecht für alle vorziehen, nicht als Privileg für wenige; aber globale Praktiken, die vor meiner Geburt in Kraft ge-setzt wurden, liegen außerhalb meiner Kontrolle. Ich würde es vorziehen, wenn strukturelle und systemische Ungleichheiten aus der Welt geschafft würden, aber das bloße Wissen um ein derart komplexes Problem lässt das Problem nicht ver-schwinden. Ich würde es vorziehen, wenn es die Kolonisierung nie gegeben hät-te, es hat sie aber gegeben, und ich kann die Vergangenheit nicht ungeschehen machen. Ich kann lediglich aktiv meinen Verstand einsetzen, um dem lähmenden Opferbewusstsein, welches diese tragische Geschichte hervorruft, zu entkommen und in eine Ökologie des Bewusstseins zu gelangen, die Heilung, Achtsamkeit und ein tiefes Verständnis der fundamentalen Untrennbarkeit aller Lebensformen be-fördert. Ich weiß, was mir lieber wäre, aber ich muss auch den Mut aufbringen, zu erkennen, wie die Dinge tatsächlich liegen. Im Moment sehe ich keinen anderen Ausweg als die Fantasie – dies ist keine politische, sondern eine spirituelle Reise mit der befristeten Hoffnung, dass ich in diesem Rahmen die Dinge neu ordnen kann. Die Reise zu den Komoren hatte vielleicht mit der Suche nach systemischer Grausamkeit begonnen, aber dann wurde daraus etwas Mystisches. Die zwei Wo-chen auf der Reise von Nairobi nach Moroni, nach Mutsamudu, nach Sima, Bimbini, Mremani, Domoney, Dzialandee, Tsembehou, nach Moya und zurück nach Nairobi gerieten zu Etappen des epischen Versuchs, mit einem Sinn fürs Staunen die Verbindung zur Fantasie wiederherzustellen. Wie Rebecca Elson gesagt hätte – „meine Verantwortung zu staunen“ bereitwillig anzunehmen.

Ogutu Muraya ist Schriftsteller, Geschichtenerzähler und Theatermacher. Er

studierte Internationale Beziehungen am USIU-Africa und machte seinen Master an

der Amsterdam University of the Arts – DAS Theatre. 2018 war Ogutu Muraya bereits

mit den Stücken „Because I Always Feel Like Running” und „Fractured Memories”

beim Festival Theaterformen in Braunschweig zu Gast. „The Ocean is Always Trying

to Pull You In“, seine neueste Arbeit für die er auf die Komoren im Indischen Ozean

reiste, um einer verdrängten Migrationskrise auf den Grund zu gehen, präsentiert

Ogutu Muraya am 5. und 6. Juli im Aquarium im Kleinen Haus. Foto: Diana Blok

Mein Geist ist frei, doch mein Körper ist in dieser Zeit verhaftet – einer Zeit, in der die

Gesellschaft das sinnlose Sterben von Menschen, die reale

und abstrakte Grenzen zu überwinden suchen,

akzeptiert.

Für die letzte Ausgabe des Festivals Theaterformen erarbeitete die ägyptische

Regisseurin Laila Soliman gemeinsam mit Ruud Gielens und einer selbst organi-

sierten Gruppe von Frauen, die in Niedersachsen leben, eine Performance über FGM

(female genital mutilation / weibliche Genitalverstümmelung); „My Body Belongs

to Me“ wurde im Juni 2019 in Hannover uraufgeführt. In Braunschweig zeigt Laila

Soliman ihre neue Arbeit „Wanaset Yodit“, was in etwa „Kaffeeklatsch mit Yodit“

bedeutet, als Uraufführung. Was Laila Soliman bei Sufi-Nächten in Kairo lernt, wie

sie die gesellschaftliche Rolle von Künstler*innen einschätzt und was ihr kreatives

Schaffen ausmacht, reflektiert sie in einem kurzen Erfahrungsbericht.

Da ich versäumt hatte, meine Überle-

gungen zur „kreativen Arbeit von innen“

vollständig in Worte zu fassen.

Bei unserem letzten Gespräch.

Hatte ich nach der Abreise das Gefühl.

Das Gespräch wäre nicht zu Ende ge-

bracht worden.

Ich hatte das Gefühl, das Gespräch hatte

noch nicht mal richtig begonnen.

Ich gab mir selbst die Schuld.

Nur wusste ich nicht, wieso es mir so

außergewöhnlich schwergefallen war,

meine Gedanken in Worte zu fassen.

Genau zu formulieren, womit ich mich

seit Jahren beschäftige und das zu hinter-

fragen.

Vielleicht lag es an dem Wort „Krise“.

Ein Wort, mit dem ich nicht umgehen

kann, jedenfalls nicht in Bezug auf 2011.

Für mich findet die Krise jetzt statt. Mani-

festiert sich seit 2013.

Dann kam ich drauf.

Eine naive, junge Journalistin baute in

Berlin ihre Kamera auf.

Um ihr erstes Videointerview für ein

Online-Theatermagazin zu führen.

Sie fragte:

„Können Sie mir Ihr schlimmstes Erlebnis

während der Revolution berichten?“

Ich sagte, „Nein, kann ich nicht.“

Sie stellte mir ein paar andere Fragen zur

Politik.

Ich merkte, dass ich die Antworten nicht

liefern wollte oder konnte.

Einen Monat zuvor hatte ich ein Site-

specific-Projekt abgebrochen, das ich

in Kairo realisieren sollte.

Ein Forschungsprojekt zum abstrakten

Konzept des Verschwindens.

Wenn ich ehrlich sein sollte, ein Projekt

über meine Obsession mit unfreiwilligem

Verschwinden.

Aber das durfte ich ja nicht mal ausspre-

chen.

Ich hatte gedacht, ich hätte einen Burn-

out, aber nachdem ich das Projekt abge-

brochen hatte, wusste ich, was es war.

Es war die Angst, die mich veranlasste,

das Projekt zu verschieben.

Die Angst, in Angst zu produzieren.

Mit Angst.

Oder vielleicht aus Angst.

In den letzten Jahren

– insbesondere seit der Machtergreifung

Sisis 2013 –

hatte ich Möglichkeiten gefunden, im rich-

tigen Moment das zu sagen, was ich sagen

wollte und gleichzeitig „so ziemlich“ auf

der sicheren Seite zu bleiben, damit mein

Team in „relativer“ Sicherheit war.

Aber um welchen Preis?

Verteidigungsstrategien?

Nerven?

Weniger Sichtbarkeit?

Ist das jetzt noch möglich?

Ist es das wert?

Ein Gespräch, das es in Wirklichkeit nie gegeben hat von Laila Soliman

74 . 75

76 . 77

Stillstand.

Ängstliches Herzklopfen.

An dem Punkt stehe ich jetzt.

Weil mir in Dakar die Worte dafür fehlten,

muss ich es einsehen.

Und jetzt aussprechen.

Ich erinnere mich: Bis 2011 fiel mir Regie-

führen schwerer.

Die Suche nach Perfektion.

Das hat man davon, wenn man Tode mit

ansieht, Verletzungen.

Körperliche Gewalt erlebt.

Das Adrenalin hilft einem, das zu akzep-

tieren.

Kunst wird wieder zum flüchtigen Augen-

blick.

Oder zu einer Reihe von Momenten.

Theater ganz besonders.

Eine Vorstellung ist wieder ein flüchtiger

Augenblick.

Das wurde mir erneut klar.

Das wird nicht auf Papier festgehalten.

Es bleibt nicht.

Nicht einmal all die Versionen, die durch

die Erinnerung der Zuschauer*innen

geistern, haben die Macher*innen unter

Kontrolle.

Das hat mich daran erinnert, dass es

nicht darum ging, recht zu haben.

Es ging um den gemeinsamen Augen-

blick.

Der Anlass ist nachrangig.

Es geht um den Moment.

Vor allem anderen.

Womit diese Diskussion viel schwieriger

wird.

Denn eine Inszenierung besteht nicht bloß

aus Sprache.

Es geht um das Gefühl in der Stimme, die

da spricht.

Mehr als um das gesprochene Wort.

Die Musik der Sprache.

Und um die Musik.

Um Dunkelheit und Schatten mehr als um

das Licht.

Um die Körper.

Ihr Handeln und ihr Schweigen.

Ihre schiere Präsenz im Verhältnis zu

jemand anderem.

Zu etwas anderem.

Ist Sprache also unser Problem oder

unser Anlass zum Schreiben?

Wenn es um „das Schließen der Lücke

zwischen Sprache und Leben“ geht.

Fühlt sich das an, als würde zu viel

erwartet.

Von der Sprache.

Und von den Schreibenden.

Oder von uns selbst als Schreibenden.

Ich glaube, der Schlüssel zum „kreativen

Arbeiten von innen“ liegt in der Reak-

tion auf das Bedürfnis, ins Gespräch

zu kommen.

Mit denen, die vielleicht gleicher Meinung

sind, aber noch mehr mit denen, die ande-

rer Meinung sind.

Das macht Angst.

Und es scheint, als lohne die Mühe nur,

wenn das Bedürfnis stark ist.

Aufrichtig.

Und die Arbeit dem in dem Moment Gege-

benen entspricht.

Dem Gefühl, dem Gedanken, der Frage,

der Ahnung, dem Zweifel.

Indem man darauf besteht, dem einen

öffentlichen Raum zu geben.

Ohne irgendeine Wahrheit zu behaupten,

irgendein Ergebnis.

Sondern eine Chance zu nutzen, mitein-

ander zu sprechen.

Auf unserem Bürgerrecht besteht, auf der

Entscheidungsfreiheit als Menschen.

Voranzuschreiten, oder möglicherweise

auch still zu stehen.

Zusammen.

Ich glaube, wenn man in dem Moment

auf der Bühne steht, liegt das Geheimnis

darin, dass es einem egal ist, ob man

recht hat.

Als ich ein Kind war, wurden in meiner

Familie Intellektuelle als allwissende

Götter betrachtet.

Künstler*innen mussten Intellektuelle

sein, mussten sich auskennen!

Politik, Ereignisse, Krise weitsichtiger

betrachten als der Durchschnittstyp – und

erst recht die Frau – auf der Straße.

Die Gesellschaft im Widerstand anführen.

Der Geist der Sechziger.

Mein Vater schrieb Gedanken auf.

Meinungen. Aussagen. Urteile.

Weigerte sich, Gefühle wie Schwäche

oder Selbstzweifel festzuhalten.

Gestand Zerbrechlichkeit nur ein, wenn er

zynisch war.

Beim Malen jedoch konnte er alles, was er

beim Schreiben nicht durfte.

Konnte sich sagen, dass er jederzeit noch

eine Schicht Farbe auftragen konnte.

Am nächsten Tag.

Nächstes Jahr.

Wann er wollte.

Sein Trick bestand darin, kein Bild zu

signieren, das noch im Atelier war.

Er sagte sich, es sei noch nicht fertig.

Wie aber ist das bei einer veröffentlichten

Seite möglich?

Nicht mehr veränderliche Worte.

Und wenn sie nun behaupteten, das zu

sein, was sie sind?

Ein Produkt des Augenblicks.

Ein winziges, zusammenhangloses Stück

Leben.

Und nicht eine kohärente Beschreibung

des Lebens.

Nicht die Erklärung für ein unerklärliches

Leben.

Ich bin überzeugt, dass das nur möglich ist,

wenn man die Person nicht außen vor lässt.

Der Versuch, aus einer inneren Erfah-

rung heraus kreativ zu arbeiten, muss

scheitern.

Sofern das Ich nicht vollständig berück-

sichtigt wird.

Durchsichtig.

Nackt.

78 . 79

So nackt, wie man nur sein kann.

Im jeweiligen Augenblick.

Als Bestandteil der Nachrichten.

Gegen die Nachrichten.

Vielleicht über den Nachrichten stehend.

Im Wissen, dass sich auch die winzigsten

Teile eines Lebens nicht in Nachrichten

zusammenfassen lassen.

All diese Schichten.

All seine Klänge.

All seine Bilder.

Die Farben, die fehlenden Farben.

Und alles, was unsere Körper erleben.

Alles in unserem Innern, was sich nicht

beschreiben lässt.

Ich bin mit dem Hass auf die Arroganz

der Intellektuellen großgeworden, die

behaupten, Bescheid zu wissen.

Die Gewalt hat mich daran erinnert.

Mich demütig gemacht.

Hinsichtlich der Kunst.

Hinsichtlich dessen, was ich schaffen

wollte.

Gewalt hat mich hilflos gemacht.

Mich gezwungen, nach Möglichkeiten zu

suchen, das Einzige zu tun, was ich kann.

Gegen den bloßen Gedanken an Distanz

aufzubegehren.

Auf den kundigen Überblick zu scheißen.

Ich glaube, am besten kann ich das mit

dem Unterschied zwischen Horchen mit

den Ohren und Horchen mit dem ganzen

Körper beschreiben.

Der Unterschied zwischen Horchen aus

sicherer Bewegungslosigkeit heraus und

Horchen beim Bewegen zu Musik.

Nicht beim Spielen als eines der Instru-

mente. Nicht beim Singen.

Aber beim Tanzen würde ich sagen.

Die Metapher ist nicht neu.

Meines Erachtens kommt sie diesem Grad

versuchter Beteiligung aber am nächsten.

Dieser Verbindung aus äußerer Erfah-

rung und innerem Erleben sowie dem

Ausdruck dieser Verbindung in der Mitte

zwischen beidem.

Aber zum Tanzen muss man Grenzen

überschreiten.

Wie stark wir sind, wenn wir zusammen

tanzen können!

In letzter Zeit habe ich häufig an

Sufi-Nächte in Kairo gedacht.

Wie ich möglichst viele besuche.

Nicht wegen des transzendenten Momen-

tes, das darin liegt.

Sondern wegen der Vielschichtigkeit der

Erfahrung.

Die gesungenen Gedichte.

Das Sprechen dazwischen.

Die Atemmuster. Die Bewegungen.

Das Horchen.

Die Schichtung dieser Elemente.

Als kollektiver Versuch, im Augenblick zu

bleiben.

Schaffen wir es, in der Bewegung zu

schreiben?

Zu handeln aus einem Erleben heraus?

Nicht als Zuschauer*innen daneben

zu stehen?

Laila Soliman, geboren 1981 in Kairo, arbeitet seit 2004

als Theaterregisseurin, Dramaturgin und Dramatikerin. Sie

studierte Theaterwissenschaften und Arabische Literatur an

der American University in Kairo und machte einen Master an

der Amsterdam University of the Arts – DAS Theatre.

Laila Soliman, die in Kairo lebt, interessiert sich für politische

Prozesse und gesellschaftlichen Wandel und für das

Verhältnis von Staat und Individuum. Kollektive Erinnerungen

und persönliche Geschichten gehen in ihren Arbeiten, die

„offizielle“ Versionen um intime und individuelle Erfahrungen

ergänzen, einher. Foto: Ebtihal Shedid

Oder ist das ein unmögliches Paradox?

Was wäre, wenn Schreibende die Erwar-

tung der Weisheit ignorierten?

Was, wenn Schreiben seine Fragen und

Zweifel mit Stolz vorwiese?

Was, wenn es sich nie für fehlende Ant-

worten entschuldigte?

Würde das den „Jetlag kritischer Arbeit“

mindern?

Was wäre, wenn kritisches Arbeiten nicht

linear zu sein hätte?

Was, wenn es sich selbst gestattete,

wechselhaft und emotional zu sein und

Distanz zu vermeiden?

Könnte man das noch „kritisches Arbei-

ten“ nennen?

Was, wenn geschriebene Sprache Mo-

mente des Schweigens enthalten könnte?

Wenn Schreiben und Lesen die übrigen

Sinne einschlösse?

Wenn sich darin eine Möglichkeit fände,

die vielfältigen Schichten des Erlebens,

der Wahrnehmung abzubilden?

So möchte ich mein Leben leben und

kreativ von innen heraus arbeiten.

Mit diesem Bewusstsein.

Ohne Schutzschilde.

Mit Integrität.

Kürzlich fragte mich ein Freund, ob es

noch ein „Innen“ gebe?

Meine Antwort ist, dass es immer ein

„Innen“ gibt, in dem man lebt.

Daher muss es eines geben, aus dem

heraus man kreativ sein kann.

Das uns mit dem verbindet, was in unse-

rem Inneren vorgeht.

Damit es sich mit dem in Verbindung

setzt, was in den anderen vorgeht, die im

selben Moment im selben Raum sind.

Du liebst Musik?Dann schalte ein!

Gute Musik und Information.Rund um die Uhr.

byte.fm

ByteFM_Anz. Theaterformen 3.3.20_cmyk

CLAUDIA MARTÍNEZ

CLAUDIA MARTÍNEZ

CLAUDIA

GARAY

KONRAD WOLF

ADAMA DELPHINE

FAWUNDU

AKINBODE AKINBIYI

BERNARD AKOI-JACKSON

OLIVIER GUESSELÉ-OLIVIER GUESSELÉ-OLIVIER

GARAI

PATRICIA KAERSENHOUT

KITSO LYNN

LELLIOTT

ADJANI OKPU-EGBE

RESOLVE COLLECTIVE

THEO ESHETU

ANDCOMPANY&CO.

LUNGISWA GQUNTA

RESOLVE GQUNTA

RESOLVE

ANNA DASOVIC

GARAY´GARAY

ANTJE MAJEWSKI

JEAN-ULRICK DÉSERTULRICK DÉSERTULRICK

Kunstverein Braunschweig

28.03. – 02.08.2020

THE FACULTY OF SENSING– Thinking With, Through, andby Anton Wilhelm Amo

80 . 81

AB DEM25.09.2020

LICHT PARCOURS

202013. JUNI – 9. OKTOBER

Nevin Aladağ | Benjamin Bergmann | Tim Etchells | FORT & Anna Jandt | Martin Groß |

Sven-Julien Kanclerski | Brigitte Kowanz | Lotte Lindner & Till Steinbrenner | Bjørn Melhus |

Anselm Reyle | Paul Schwer | Julian Turner, Florian Pfaffenberger & Andreas Harrer |

Johannes Wohnseifer | Joseph Zehrer | Institut für Architekturbezogene Kunst der TU Braunschweig

15 internationale Künstlerinnen und Künstler wurden für

den Lichtparcours 2020 eingeladen und haben künstlerische

Interventionen für den Stadtraum entwickelt. Im Sinne

einer Reminiszenz an den 1. Parcours werden die Kunstwerke

an der Oker oder in ufernahen Bereichen positioniert.

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DO 02. 07.

17.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 302 18.00 Eröffnungsperformance Ihr Großes Haus . Theatervorplatz 18.15 Eröffnungsrede Großes Haus . Louis-Spohr-Saal19.00 – 21.00 Granma. Posaunen aus Havanna Großes Haus 20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.30 Konzert Fehler Kuti Festivalzentrum im Theaterpark

FR 03. 07.

14.00 – 18.00 How to Greet Like a Jamaican: Step 1 Großes Haus . Parkettfoyer 17.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.30 Einführung Granma. Posaunen aus Havanna Großes Haus . Louis-Spohr-Saal 19.00 – 21.00 Granma. Posaunen aus Havanna Großes Haus Gespräch im Anschluss an die Vorstellung Großes Haus . Louis-Spohr-Saal19.30 Einführung Sweet Drunk Potato Map LOT-Theater . Foyer 20.00 – 21.30 Sweet Drunk Potato Map LOT-Theater 20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.30 Konzert Rolf Hansen . Suff Daddy & The Lunchbirds Festivalzentrum im Theaterpark

SA 04. 07.

15.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 16.00 Warm-up Sweet Drunk Potato Map LOT-Theater 17.00 – 18.30 Sweet Drunk Potato Map LOT-Theater Gespräch im Anschluss an die Vorstellung17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.00 Vernissage Thirst mit Jule Hillgärtner (Direktorinnentausch) Großes Haus . Louis-Spohr-Saal 18.00 – 21.00 Thirst Großes Haus 18.30 Einführung Salt Kleines Haus 19.00 – 20.00 Salt Kleines Haus Gespräch im Anschluss an die Vorstellung20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.00 – 21.30 Cuore Großes Haus . Theatervorplatz 21.30 Konzert Ilgen-Nur . Donna Regina Festivalzentrum im Theaterpark

SO 05. 07.

11.00 – 12.00 A Thousand Ways Haus der Wissenschaft 13.00 – 14.00 A Thousand Ways Haus der Wissenschaft 13.00 – 14.30 Film Jakarta Disorder LOT-Theater 13.00 – 17.00 How to Greet Like a Jamaican: Step 1 Großes Haus . Parkettfoyer 15.00 – 16.00 A Thousand Ways Haus der Wissenschaft 15.00 – 16.00 Führung mit Martine Dennewald (Direktorinnentausch) Kunstverein Braunschweig15.00 – 16.30 Film Teatro de Guerra - Theatre of War LOT-Theater 15.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 16.30 Einführung The Ocean Is Always Trying to Pull You In Kleines Haus 17.00 – 18.00 The Ocean Is Always Trying to Pull You In Kleines Haus . Aquarium 16.30 Einführung A Thousand Ways Haus der Wissenschaft 17.00 – 18.00 A Thousand Ways Haus der Wissenschaft 17.00 – 18.15 Film Black Mother LOT-Theater 17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.00 – 21.00 Thirst Großes Haus 19.00 – 20.00 Salt Kleines Haus 10 Minuten 10 Fragen im Anschluss an die Vorstellung19.00 – 20.00 A Thousand Ways Haus der Wissenschaft 19.00 – 21.30 Film Tchindas LOT-Theater 20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.00 – 21.30 Cuore Großes Haus . Theatervorplatz 21.00 – 22.00 A Thousand Ways Haus der Wissenschaft 21.30 Konzert Anne Müller Festivalzentrum im Theaterpark

MO 06. 07.

13.00 – 17.00 How to Greet Like a Jamaican: Step 1 Großes Haus . Parkettfoyer 17.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 18.00 – 21.00 Thirst Großes Haus 18.00 Warm-up The Ocean is Always Trying to Pull You In Kleines Haus19.00 – 20.00 The Ocean Is Always Trying to Pull You In Kleines Haus . Aquarium 10 Minuten 10 Fragen im Anschluss an die Vorstellung21.00 – 21.30 Cuore Großes Haus . Theatervorplatz 21.30 Konzert Madar Band Festivalzentrum im Theaterpark

DI 07. 07.

17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.30 Einführung Ibuibu Belu: Bodies of Borders Kleines Haus 19.00 – 20.00 Ibuibu Belu: Bodies of Borders Kleines Haus Gespräch im Anschluss an die Vorstellung20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.00 – 21.30 Cuore Großes Haus . Theatervorplatz21.30 Konzert Direktmusik Festivalzentrum im Theaterpark

92 . 93

MI 08. 07.

17.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.00 – 19.15 How to Greet Like a Jamaican: Step 1 Großes Haus . Parkettfoyer 18.00 Warm-up Ibuibu Belu: Bodies of Borders Kleines Haus 19.00 – 20.00 Ibuibu Belu: Bodies of Borders Kleines Haus Cool-down im Anschluss an die Vorstellung20.00 Einführung salt. A Reading LOT-Theater 20.30 – 21.30 salt. A Reading LOT-Theater Gespräch im Anschluss an die Vorstellung20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.30 Konzert Tellavision Festivalzentrum im Theaterpark

DO 09. 07.

17.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.30 Einführung Mal - Embriaguez Divina Großes Haus . Louis-Spohr-Saal 19.00 – 20.30 Mal - Embriaguez Divina Großes Haus Gespräch im Anschluss an die Vorstellung20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.30 Konzert Vernesa Berbo & Balkan Boys Festivalzentrum im Theaterpark

FR 10. 07.

17.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.30 Einführung Mal - Embriaguez Divina Großes Haus . Louis-Spohr-Saal 19.00 – 20.30 Mal - Embriaguez Divina Großes Haus Cool-down im Anschluss an die Vorstellung Louis-Spohr-Saal20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.00 Einführung Porcelain White Kleines Haus21.30 – 22.30 Porcelain White Kleines Haus . Aquarium21.30 – 23.00 Ways To Submit LOT-Theater 21.30 Konzert Mélissa Laveaux Festivalzentrum im Theaterpark

SA 11. 07.

14.00 Warm-up Porcelain White Kleines Haus15.00 – 16.00 Porcelain White Kleines Haus . Aquarium 10 Minuten 10 Fragen im Anschluss an die Vorstellung15.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 17.00 – 18.30 Ways To Submit LOT-Theater 10 Minuten 10 Fragen im Anschluss an die Vorstellung17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.00 – 21.00 Thirst Großes Haus

18.30 Einführung Pleasant Island Kleines Haus 19.00 – 20.10 Pleasant Island Kleines Haus 10 Minuten 10 Fragen im Anschluss an die Vorstellung20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.30 Konzert Die Wilde Jagd Festivalzentrum im Theaterpark ab 23.00 TF-Abschlussparty mit SENU . ShungGu Kleines Haus . Aquarium

SO 12. 07.

13.00 – 17.00 How to Greet Like a Jamaican: Step 1 Großes Haus . Parkettfoyer 17.15 – 18.00 Gespräch How to Greet Like a Jamaican: Step 1 Großes Haus . Parkettfoyer 15.00 – 16.30 Ways To Submit LOT-Theater 15.00 – 20.00 Die Übersehenden einRaum5-7 17.00 – 19.30 Die Insel Sachalin Kleines Haus . Aquarium 17.30 – 18.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30218.00 – 21.00 Thirst Großes Haus 18.00 Warm-up Pleasant Island Kleines Haus 19.00 – 20.10 Pleasant Island Kleines Haus 20.30 – 21.30 Wanaset Yodit Großes Haus . Raum 30221.30 Konzert The Work-Life Balance Festivalzentrum im Theaterpark

94 . 95

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VorverkaufspreisIm Vorverkauf erhalten Sie einen Preisvorteil von 2 Euro pro Karte bzw. 1 Euro pro ermäßigter Karte im Vergleich zum Kartenkauf an der Abendkasse.

Ermäßigte KartenGegen Vorlage eines entsprechenden Ausweises erhalten Schüler*innen, Studie-rende und Azubis sowie Schwerbehinderte, Erwerbslose und Inhaber*innen des Braunschweig-Passes ermäßigte Karten (50 Prozent Rabatt auf den Normalpreis). Die TheaterFLAT gilt nicht für Veranstaltungen des Festivals Theaterformen.

Der Eintritt zu den Konzerten im Festivalzentrum ist frei.

Bonuskarte für Vielgucker*innenMit der fünften Karte 20 Prozent Rabatt auf Normal- und ermäßigten Kartenpreis

Beispiele8 Karten kaufen = 8 gestempelte Felder = 20% Rabatt auf alle Karten5 Karten kaufen = 5 gestempelte Felder = 20% Rabatt auf alle Karten2 Karten kaufen = 2 gestempelte Felder = kein Rabatt, aber: 3 weitere Karten kaufen = 5 gestempelte Felder = 20% Rabatt auf ebendiese zuletzt gekauften 3 Karten usw.

Die personalisierte Bonuskarte gilt nur an der Hauptkasse im Großen Haus des Staatstheaters Braunschweig in Verbindung mit einem Lichtbildausweis. Sie ist nicht übertragbar. Die Rabattaktion gilt nicht beim Kauf mehrerer Eintrittskarten für dieselbe Vorstellung. Die Aktion gilt auch für ermäßigte Kartenpreise.

Freie Fahrt ins TheaterDie Eintrittskarte ist ab drei Stunden vor Aufführungsbeginn bis Betriebsschluss als Fahrausweis für alle Linien der Braunschweiger Verkehrs AG im Stadtgebiet Braunschweig (Tarifzone 40) gültig.

Die Rückgabe von Eintrittskarten ist ausgeschlossen. Kein Einlass nach Beginn der Vorstellung.

VORVERKAUFSSTELLEN

Theaterkasse Großes Haus . Staatstheater Braunschweig Dienstag bis Freitag 10.00 – 19.30 Uhr . Samstag 10.00 – 14.00 UhrMontag geschlossen, Samstag, Sonn- und Feiertag VeranstaltungskassenBargeld, EC, Lastschrift, Kreditkarte mit PIN

Konzertkassen der Braunschweiger ZeitungBraunschweig Stadtmarketing GmbH, Touristinfo Kleine Burg 14 38100 BraunschweigUniversum Filmtheater Neue Straße 8 . 38100 BraunschweigMusikalienhandlung Bartels Wilhelmstraße 89 . 38100 BraunschweigWolfsburger Allgemeine Porschestraße 74 . 38440 WolfsburgKulturbund Wolfenbüttel Stadtmarkt 7A . 38300 WolfenbüttelKonzertkasse Gifhorn Steinweg 78 . 38518 Gifhorn

Kartenservice [email protected] +49 . 531 . 1234 567 . Fax +49 . 531 . 1234 570

Online-Kartenverkauf www.staatstheater-braunschweig.de

AbendkasseDie Abendkassen öffnen eine Stunde vor Vorstellungsbeginn an den jeweiligen Spielorten.

Schulklassen Lehrer*innen, die mit ihren Schulklassen Theaterformen-Vorstellungen besu-chen möchten, sind herzlich eingeladen, sich für Gruppenbuchungen und weitere Informationen an den Besucher*innenservice des Staatstheaters Braunschweig zu wenden. Ansprechpartnerin ist Katrin Wiegand.Montag bis Freitag 10.00 – 14.30 UhrFon +49 . 531 . 1234 556 . [email protected]

zugÄngLichkeit

96 . 97

aWareness

In den letzten Jahren hat sich das Festivalteam intensiv mit diskriminierungs-kritischer Arbeit beschäftigt. 2018 und 2019 durchlief es eine fünfteilige, von der Kulturstiftung des Bundes geförderte Fortbildung, die, angeleitet durch das Institut für diskriminierungsfreie Bildung (IDB), die Reflexion der Arbeitsprozesse inner-halb der Institution als auch eine Analyse der Öffentlichkeitsarbeit, den Umgang mit Diskriminierung in der Festivalarbeit und eine Formulierung antirassistischer Strategien beinhaltete.

Das Festivalteam möchte Künstler*innen und Publikum einen Ort bieten, an dem niemand benachteiligt wird. In der Absicht, diskriminierungskritisch zu handeln, wird für die Festivalzeit ein Awarenessteam engagiert, das für Künstler*innen wie Besucher*innen ansprechbar ist.

Awarenessteam Menschen, die beim Festival Diskriminierung durch antisemitische, sexistische, rassistische, ableistische, homo- oder transphobe Handlungen und Haltungen erfahren oder beobachten, können sich an unser Awarenessteam wenden. Es ist an der Infobude im Festivalzentrum werktags ab 18 Uhr und an Wochenenden ab 15.00 Uhr ansprechbar. Das Awarenessteam steht von Diskriminierung betroffenen Personen unterstützend zur Seite und befindet sich in unmittelbarem Austausch mit der Festivalleitung.

Schreibweisen Wir versuchen, diskriminierungssensibel zu schreiben und Selbst- statt Fremdbe-zeichnungen zu verwenden. Wir benutzen das Gendersternchen*, das eine Vielzahl von Geschlechtsidentitäten umfasst, einschließlich queere und Trans-Identitäten. Wenn von „Schwarz“ oder „weiß“ die Rede ist, dann werden nicht Hautfarben, son-dern gesellschaftliche Positionierungen bezeichnet. „Schwarz“ wird großgeschrie-ben, als Hinweis auf die ermächtigende Selbstbezeichnung Schwarzer Personen. Als eingedeutschter Begriff wird People of Colour nicht kursiv geschrieben. Da „weiß“ keine ermächtigende Selbstbezeichnung, sondern eine privilegierte Position innerhalb eines rassistischen Systems ist, wird weiß klein und kursiv geschrieben.

Gegen Vorlage eines Schwerbehindertenausweises (Vermerk B) erhalten Schwer-behinderte eine Freikarte für eine Begleitperson.

Für blinde und sehbehinderte Besucher*innenDie Mitnahme von Blindenführhunden ins Staatstheater ist gestattet. Um geeig-nete Plätze anbieten zu können, bitten wir beim Kartenkauf um Anmeldung beim Besucher*innenservice.

Für taube und schwerhörige Besucher*innenFür Menschen mit leichter Hörbeeinträchtigung stellt das Staatstheater Hörhilfen zur Verfügung. Sie sind gegen Pfand an den Garderoben erhältlich. Viele Pro-duktionen sind übertitelt. Folgende Stücke kommen ohne gesprochene Sprache aus: Ihr, Thirst, Salt, Ibuibu Belu: Bodies of Borders und Mal- Embriaguez Divina. Granma. Posaunen aus Havanna wird von deskriptiven Übertiteln begleitet.

RollstuhlzugänglichkeitAlle Spielstätten sind rollstuhlzugänglich, in den Sälen stehen Rollstuhlplätze zur Verfügung. Bitte informieren Sie den Besucher*innenservice beim Kartenkauf, dass Sie einen Rollstuhlplatz benötigen. Das Festivalzentrum ist vor der Bühne ebenerdig. Am Großen Haus befinden sich vier Parkplätze für Menschen mit Be-hinderung und ein barrierefreier Zugang.

ToilettenRollstuhlgerechte Toiletten finden sich in allen Spielstätten des Staatstheaters und im Festivalzentrum. Automatische Türöffner gibt es bislang nicht. Eine All-Gender-Friendly-Toilette befindet sich im Festivalzentrum. Der einRaum5-7 hat keine rollstuhlgerechte Toilette.

Weitere InformationenDetaillierte Informationen zu den einzelnen Spielstätten finden sich auf www.theater-formen.de/spielstaetten. Haben Sie Fragen oder Anregungen? Telefonisch stehen wir Ihnen unter +49 . 531 . 1234 490 oder per Mail unter [email protected] zur Verfügung. Der Besucher*innenservice des Staatstheaters ist zu erreichen unter +49 . 531 . 1234 567 und per Mail unter [email protected]

98 . 99

imPressum

Herausgegeben von

Festival Theaterformen

Staatstheater Braunschweig

Am Theater . 38100 Braunschweig

Gestaltung kalagrafik . www.kalagrafik.com

Druckerei oeding print GmbH

Buchbinderei Integralis Industriebuchbinderei GmbH

Internetauftritt Jan Pischke . www.janpischke.de

Redaktion Christoph Braun . Martine Dennewald . Caroline

Froelich . Judith Hartstang . Frederieke Tambaur . Jordan

Luke Tanner

Übersetzungen Magazin-Texte Bochert Translations

Planungsstand 14. April 2020, Änderungen vorbehalten

Festivalleitung Martine Dennewald Geschäftsführung Malte

Wegner Produktionsleitung Wolfram Sander Technische Lei-

tung Frank Hamann Leitung Presse- und Öffentlichkeitsarbeit

Judith Hartstang Mitarbeit Presse- und Öffentlichkeitsarbeit

Frederieke Tambaur Musikprogramm Christoph Braun

Assistenz der Festivalleitung Caroline Froelich Assistenz der

Geschäftsführung Merle Nowack Mitarbeit Produktion Nina

Bade Vermittlung Marie-Luise Krüger Assistenz Vermittlung

Elena Rottmann Praktikum Anna Konrad . Jordan Luke

Tanner Festivalzentrum Maximilian Burkhardt Übersetzung

und Einrichtung Übertitel (wenn nicht anders angegeben)

Panthea, Berlin

Kontakt

[email protected] . [email protected]

www.theaterformen.de

Telefon +49 . 531 . 1234 490

Bildnachweise

S. 7 Christophe Raynaud de Lage S. 9 Lotte Lindner &

Till Steinbrenner S. 11 Laura Liz Gil Echenique S. 13 Laila

Soliman S. 15 Aleks Slota S. 17 Yudai Kamisato S. 19

Margaux Kolly S. 21 Witjak Widhi Cahya S. 23 Filipa

Couto S. 25 Maria Baranova S. 29 Ogutu Muraya S. 31

David Gesuri S. 33 Richard Davenport S. 35 Dan S. 37

Venuri Perera S. 39 Maurizio Martorana S. 41 Vlad Sokhin

S. 43 www.zeno.org S. 45 Andreas Greiner-Napp S. 46

Gerald von Foris . Robert Winter S. 47 Mike Højgaard

S. 48 Constantin Timm . Ulrike Bratke S. 49 Anne Müller

S. 50 Mohammad Abo Shukur S. 51 Björn Hickmann

S. 52 Tim Bruening S. 53 Esra Rotthoff S. 54 Romain

Staros Staropoli . Markus Luigs S. 55 Sophie Wanninger

Romain Scaillet S. 56 Daniel Kunzfeld S.63 Andreas

Greiner-Napp

Festival Theaterformen Hannover / Braunschweig ist eine Gemeinschaftsveranstaltung der Staatstheater Hannover und

Braunschweig, unterstützt durch das Niedersächsische Ministerium für Wissenschaft und Kultur, die Städte Hannover und

Braunschweig, die Stiftung Niedersachsen und die Stiftung Braunschweigischer Kulturbesitz.

fÖrDerung unD sPonsoring

Das Festival Theaterformen 2020 ist eine Veranstaltung des Staatstheaters Braunschweig, gefördert durch das Niedersächsische

Ministerium für Wissenschaft und Kultur, die Stadt Braunschweig, die Stiftung Braunschweigischer Kulturbesitz und die Stiftung

Niedersachsen.

Besonderer Dank gilt auch

Kooperationen

Wir danken der Belegschaft des Staatstheaters Braunschweig für ihre Unterstützung.

Medienkooperation

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BOTANISCHER GARTEN STADTPARK

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18.00 – 21.00Thirst

Voldemars Johansons

18.00 Vernissage18.00 – 21.00

ThirstVoldemars Johansons

18.00 – 21.00Thirst

Voldemars Johansons

18.00 – 21.00Thirst

Voldemars Johansons

18.00 – 21.00Thirst

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18.15 Eröffnung19.00 Granma.

Posaunen aus HavannaRimini Protokoll

18.30 Einführung 19.00 Granma.

Posaunen aus Havannaanschl. Gespräch


M. Monteiro Freitasanschl. Gespräch


M. Monteiro Freitasanschl. Cool-down


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Zwoisy Mears-Clarke


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Zwoisy Mears-Clarke

21.30Fehler Kuti

21.30Rolf Hansen und

Suff Daddy & The Lunchbirds

21.30Ilgen-Nur

undDonna Regina

21.30Anne Müller

21.30Madar Band

21.30Direktmusik

21.30Tellavision

21.30Mélissa Laveaux

21.30The Work-Life

Balance

21.30 Die wilde Jagd anschl. im Kleinen Haus

TF-Party mit SENU . ShunGu

21.30Vernesa Berbo &

Balkan Boys

STAATSTHEATERGROSSES HAUS

FESTIVALZENTRUM

STAATSTHEATERGROSSES HAUSPARKETTFOYER

SPIELPLAN


11.00 – 21.00 A Thousand Ways

600 HWM 16.30 Einführung

18.00 Eröffnungs- performance

IhrLindner & Steinbrenner

21.00Cuore

Lígia Soares

21.00Cuore

Lígia Soares

21.00Cuore

Lígia Soares

21.00Cuore

Lígia Soares

16.30 Einführung 17.00 The Ocean

Ogutu Muraya

18.00 Warm-up 19.00 The Ocean is Al-

ways Trying to Pull You In anschl. 10 Min. 10 Fr.

21.00 Einführung 21.30

Porcelain White Mears-Clarke . Perera

17.00 Die Insel Sachalin

Diem . Schröder

14.00 Warm-up 15.00 Porcelain White Mears-Clarke . Pereraanschl. 10 Min. 10 Fr.





















STAATSTHEATERGROSSES HAUSTHEATERVORPLATZ

STAATSTHEATERKLEINES HAUSAQUARIUM

EINRAUM5-7

18.30 Einführung 19.00 Salt


19.00Salt

Eko Supriyantoanschl. 10 Min. 10 Fr.

18.30 Einführung 19.00 Ibuibu Belu


18.00 Warm-up 19.00 Ibuibu Belu

Eko Supriyantoanschl. Cool-down

18.30 Einführung 19.00 Pleasant Island

Huysmans . Dereere anschl. 10 Min. 10 Fr.

18.00 Warm-up 19.00

Pleasant Island Huysmans . Dereere

STAATSTHEATERKLEINES HAUS

FR 03.07.DO 02.07. SA 04.07. SO 05.07. MO 06.07. DI 07.07. MI 08.07. DO 09.07. FR 10.07. SA 11.07. SO 12.07.

STAATSTHEATERGROSSES HAUSRAUM 302











19.30 Einführung 20.00 Sweet Drunk

Potato MapYudai Kamisato

20.00 Einführung 20.30 salt. A Reading

Selina Thompson anschl. Gespräch


Ira Brand


Ira Brandanschl. 10 Min. 10 Fr.


Ira Brand

16.00 Warm-up 17.00 Sweet Drunk Potato

Map Yudai Kamisatoanschl. Gespräch

13.00 Jakarta Disorder15.00 Teatro de Guerra

17.00 Black Mother19.00 Tchindas

LOT-THEATER

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1 Staatstheater Braunschweig Großes Haus Am Theater

Louis-Spohr-Saal im Großen Haus Am Theater

Parkettfoyer im Großen Haus Am Theater

Raum 302 im Großen Haus Am Theater

Theatervorplatz Am Theater

Ab Hauptbahnhof: Buslinie 411, Haltestelle Staatstheater

Tram M5, Haltestelle Museumstraße

2 Staatstheater Braunschweig Kleines Haus Magnitorwall 18

Aquarium im Kleinen Haus Magnitorwall 18



3 LOT-Theater Kaffeetwete 4a

Buslinien 411, 412, 416, 418, 422 und 443, Haltestelle

Altstadtmarkt. Von hier aus ca. 5 Minuten Fußweg

4 Festivalzentrum im Theaterpark



5 einRaum5-7 Handelsweg 5-7

Ab Hauptbahnhof: Buslinie 429, 461, Haltestelle

Friedrich-Wilhelm-Platz. Tram M1, M2, M10, Haltestelle

Schloss. Von hier aus ca. 10 Minuten Fußweg

6 Haus der Wissenschaft Pockelsstraße 11

Ab Hauptbahnhof: Buslinien 419, 429, Haltestelle Pockels-

straße. Tram M1, M2, M10, Haltestelle Mühlenpfordtstraße

7 Kunstverein Braunschweig Lessingplatz 12

Ab Hauptbahnhof: Tram M2, Haltestelle John-F.-Kennedy-

Platz, Buslinien 429, 461, Haltestelle John-F.-Kennedy-Platz

NameMit der Festival Theaterformen-Bonuskarte erhalten Sie mit dem Kauf der fünften Eintrittskarte einen Rabatt von 20 Prozent (Kaufbeispiele im Heft auf Seite 94)

Wer zehn Stempel sammelt, bekommt an der Infobude im Festivalzentrum den Festivalbeutel 2020 und ein Freigetränk.

Der Rabatt ist mit der regulären Ermäßigung kombinierbar. Die Bonuskarte ist nicht übertragbar und gilt nur in Verbindung mit einem Lichtbildausweis. Käufe mehrerer Eintrittskarten für dieselbe Vorstellung sind vom Rabatt ausgenommen. Nur an der Kasse im Großen Haus des Staatstheaters Braunschweig einsetzbar.

Date post:	24-Jan-2021
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Liebes PubLikum, - Festival Theaterformen · 2020. 4. 24. · b Ö c k l e r s t r. a d o l f s t...

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